home   |   А-Я   |   A-Z   |   меню


Ф

ФАГОТ. Вспомним еще раз музыкальную сказку Сергея Сергеевича Прокофьева «Петя и волк», о которой говорилось в рассказе, посвященном лейтмотиву. Всех персонажей этой сказки изображают различные музыкальные инструменты: кларнет, гобой, струнные… Прокофьев подбирал для характеристики каждого персонажа тембр, который ярче всего его рисует. Роль дедушки в музыкальной сказке «исполняет» фагот.

У дедушки, наверное, должен быть низкий ворчливый голос (пожилые люди любят поворчать на своих внуков!), может быть, немножко хриплый. Фагот как нельзя лучше подходит к этой роли.

Появился фагот в начале XVI века, а с конца XVII века стал постоянным участником оркестров и духовых ансамблей. В современном виде он существует с начала XIX века.

Музыкальный словарь в рассказах (с иллюстрациями)

ФАГОТ


Фагот — самый низкий по звучанию из деревянных духовых инструментов (еще ниже него звучит только контрафагот). Трубка, в которой заключен воздух, очень длинная, а поэтому играть на ней, как на флейте или кларнете, было бы невозможно. Выход нашелся: трубку «сложили пополам». Диапазон фагота — от си-бемоль контроктавы до ми второй октавы, тембр густой и грубоватый в нижнем регистре. Очень быстрые, технически сложные пассажи на фаготе играть трудно. Но все же фагот достаточно подвижен. Нередко исполняемая на нем мелодия в быстром движении производит комическое впечатление. Юмористический характер звучания у фагота отрывистых нот — стаккато — чудесно использовал Глинка для характеристики трусливого поклонника Людмилы Фарлафа в опере «Руслан и Людмила»: в сцене встречи Фарлафа с колдуньей Наиной чередующееся стаккато двух фаготов передает его трусливую дрожь.

Но иногда фагот звучит трагически. Так, на фоне контрабасов, скорбную сосредоточенную мелодию играет фагот соло в начале Шестой симфонии Чайковского. И в симфониях Шостаковича фагот драматичен, патетичен, а иногда — весел или задумчив.

Контрафагот очень похож на фагот по тембру. Звук его полный, немного хриплый. Диапазон по сравнению с фаготом сдвинут на октаву вниз. Применяется он, как правило, для усиления басовых голосов оркестра.


ФАКТУРА. Латинское слово «facturo» означает обработка, делание, а в переносном значении — устройство. Пожалуй, это последнее слово и определит лучше всего, что такое фактура в музыке. Это самый склад, устройство музыкальной ткани, совокупность ее элементов. А элементы фактуры, то, из чего она складывается — мелодия, аккомпанемент, бас, средние голоса и подголоски.

Фактура бывает очень разнообразной. Музыканты говорят о плотной, аккордовой фактуре или фактуре прозрачной, состоящей из двух — трех мелодических линий или мелодий и легкого аккомпанемента; о фактуре полифонической, которая может быть и прозрачной и плотной, в зависимости от числа входящих в нее голосов, и фактуре гомофонно-гармонической, то есть включающей в себя самые различные элементы в любых нужных для композитора сочетаниях.

Таким образом, фактура — это действительно «устройство» музыкального произведения, но устройство не «по горизонтали», а «по вертикали». Фактура — это словно бы «вертикальный разрез» звучащего пласта.


ФАЛЬЦЕТ. Если вам приходилось слышать тирольские народные песни, так называемый йодли, вы, наверное, обратили внимание на то, как необычно они звучат. Мужской голос вдруг будто ломается, и слышатся высокие ноты совсем другого тембра — словно обесцвеченные. Это и есть фальцет (от итальянского falso — «ложный») или фистула — верхний регистр мужского голоса. В профессиональном пении он используется крайне редко, только для особой окраски звука.


ФАНТАЗИЯ. Фантазия для фортепиано с оркестром на темы былин Рябинина. Увертюра-фантазия «Франческа да Римини». В этих названиях присутствует одно и то же слово — фантазия. Что же это означает?

Собственно, что оно означает, все вы прекрасно знаете. Не раз приходится слышать любому, еще не достигшему взрослого возраста человеку: «Вот еще фантазии какие!», «Брось свои фантазии», «Ах, ты, фантазер»… И почти всегда это звучит с укоризной.

Греческое слово phantasia переводится как «воображение». Мы привыкли употреблять его в значении — причуда, вымысел. В музыке же фантазиями стали называть произведения, своеобразные по форме, не укладывавшиеся в рамки традиционных форм. «Он фантазирует», — говорили иной раз об импровизаторе. Так, в творчестве И. С. Баха фантазиями предварялись порою органные фуги. Фантазии писали Моцарт, Бетховен, Шопен.

В XIX веке фантазии появились в программной музыке, там, где логика ее развития должна соответствовать литературной программе. Такова «Франческа да Римини» Чайковского.

Другой распространенный тип музыкальной фантазии — произведение, сочиненное на темы, заимствованные композитором; темы народных песен, оперных отрывков и т. п. Такова Фантазия Аренского. По радио вы можете часто слышать фантазии на темы песен Дунаевского, Соловьева-Седого, на музыку из оперетт и другие подобные этим оркестровые сочинения.


ФЕРМАТА. Итальянское слово «фермата» (fermata) означает остановка задержка. В музыке им называется знак

Музыкальный словарь в рассказах (с иллюстрациями)
. Он ставится над нотой, аккордом или паузой (реже — в перевернутом виде под ними) и означает, что исполнитель должен в этом месте увеличить длительность звука по своему усмотрению.


ФЛЕЙТА. Это один из самых древних духовых инструментов. Археологи находят изображения флейтистов на фресках Древнего Египта и Греции.

Возникшая из тростниковой дудки, флейта поначалу была простой деревянной трубкой с отверстиями. В течение многих веков она совершенствовалась, пока не приобрела современный вид. Раньше флейта была продольной, и держали ее в вертикальном положении. Затем появилась так называемая поперечная флейта, которую музыкант держит горизонтально. Этот вид флейты, усовершенствованный в 1832 году немецким мастером Т. Бёмом, постепенно вытеснил продольную, и сейчас во все оркестры входит именно поперечная флейта.

Музыкальный словарь в рассказах (с иллюстрациями)

ФЛЕЙТА


Диапазон ее — от до первой и до до четвертой октавы, нижний регистр глуховатый, мягкий; средний и часть верхнего очень красивы, обладают нежным и певучим тембром; самые высокие звуки пронзительные, свистящие.

В инструментальных ансамблях флейта принимала участие уже в XV веке. Композиторов привлекало ее напевное звучание, а позднее, когда инструмент усовершенствовался, — богатые виртуозные возможности.

Флейте доступны самые сложные пассажи. Нередко она вступает в своеобразное соревнование с колоратурным сопрано, которое отчасти напоминает и своим тембром. Вспомните «Снегурочку» Римского-Корсакова: колоратурным пассажам дочери Мороза в начале оперы вторят «узорчатые» наигрыши флейты.

Одна из применяемых в оркестре разновидностей этого инструмента — флейта пикколо (piccolo — по-итальянски — «маленький»). Она в два раза меньше обычной флейты и звучит октавой выше. Ее резкий свист прорезает звучность всего оркестра. Раньше флейту пикколо применяли лишь в тех музыкальных эпизодах, в которых требовалось изобразить сражение, грозу, свист ветра. Теперь же ей нередко поручают и мелодические партии.

В опере Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» флейта пикколо играет тему белки, грызущей золотой орех. В первом акте оперы Бизе «Кармен» две флейты пикколо сопровождают хор мальчишек, бойко марширующих вслед за солдатами.


ФОЛЬКЛОР. Знаете ли вы, как в далеком прошлом праздновали свадьбы на Руси? Свадебная игра, как ее принято называть (во многих сказках вы, наверное, слышали: «сыграли свадьбу»), продолжалась несколько дней, а иногда и несколько недель. Она складывалась из разнохарактерных сцен, то лирических, то комических, а то и трагедийных, и различных игр и обрядов. Очень большое место занимали в ней песни. Звучали песни торжественные, величальные, славящие невесту и жениха; шуточные, комические, иногда пародийные, чаще всего высмеивающие сватов; гостевые, застольные; веселые плясовые. Много песен должна была петь невеста: она причитала, прощаясь с родной семьей и девичьей долей, страшась неизвестного будущего в чужой семье. Хоровые песни исполняли подруги невесты на девичнике и в утро венчания.

В наше время некоторые хоровые коллективы воссоздают на сцене основные моменты старинной свадьбы. «Все в этом своеобразнейшем национальном действии — песни, хороводы, диалоги, прибаутки, движения, костюмы — проникнуто мудростью и целомудренностью, красотой сердца русского народа», — написано в газете «Правда» о «сценах русской народной свадьбы», поставленных в 1945 году Государственным русским народным хором имени Пятницкого.

Не только свадьба игралась в народе так ярко и красочно. Вся жизнь наших предков сопровождалась пением, игровыми действиями. Существуют песни бытовые: колыбельные, шуточные, лирические; песни-причитания, оплакивающие умерших; песни-сказы, былины, повествующие о далеком прошлом. Множество песен связано с годовым земледельческим кругом: все сельские работы, все календарные праздники нашли в них свое отражение.

Это огромное песенное богатство объединяется термином «фольклор» — народное творчество.

В отличие от подавляющего большинства терминов, ведущих свое происхождение от латинских и древнегреческих слов, этот термин пришел к нам из староанглийского языка. Быть может, потому, что относится он не только к музыке. Английское folk — народ; lore — учение. Вместе эти слова — folklore — переводятся как «народная мудрость». Именно так, уважительно и даже возвышенно, принято во всем мире называть устное народное творчество, музыкальное и литературное.

Название это глубоко справедливо. В самом деле: в произведениях устного народного творчества воплотились народный опыт, традиции, мировоззрение, то есть действительно передана народная мудрость.

Музыкальный фольклор — это народные песни и танцы, былины и инструментальные наигрыши. В отличие от профессиональной музыки, фольклор не знает авторства. Произведение живет в устной традиции, передается от одного исполнителя к другому, подчас видоизменяется. Поэтому фольклористы (так называются те, кто изучает народное творчество) в разных местах от разных исполнителей записывают порою очень отличающиеся друг от друга варианты одной и той же песни или былины. «Песни народные, как музыкальные организмы, отнюдь не сочинения отдельных музыкально-творческих талантов, а произведение целого народа», — писал в свое время видный русский композитор и музыкальный критик А. Н. Серов.

Но фольклор — это не только народная мудрость. Это еще и проявление души народа. Нельзя спутать русскую песню с грузинской, с негритянскими спиричуэлс или с блюзами, как нельзя неаполитанский напев спутать с шотландским наигрышем. Потому что каждая из них — порождение всей жизни народа, его истории, его быта.

Народная песня, и шире — весь музыкальный фольклор, — это основа профессионального композиторского творчества. «Создает музыку народ, а мы, художники, ее только аранжируем», — сказал когда-то Михаил Иванович Глинка. Во многих произведениях русских композиторов мы слышим напевы народных песен, ритмы танцев. И вся без исключения русская музыка проникнута почерпнутыми из родного фольклора интонациями, мельчайшими оборотами, которые и создают отличие одной национальной музыкальной культуры от другой.


ФОРТЕПИАНО. Зайдите в нотный магазин. На витрине, на полках лежат ноты: сборники фортепианных пьес и этюдов, сочинения для голоса или какого-нибудь инструмента с фортепиано, фортепианные переложения оркестровых произведений… А скажите, задумывались ли вы когда-нибудь, что это, собственно, за инструмент — фортепиано, и почему оно занимает такое важное место в музыке?

Музыкальный словарь в рассказах (с иллюстрациями)

РОЯЛЬ


Конечно, вы знакомы с роялем. Его можно увидеть в концертных залах, во Дворце пионеров, в музыкальной школе. Его вы видите на экранах телевизоров. Он, большой и важный, стоит на почетном месте — на эстраде, а иногда, в торжественных случаях, у него поднимают крышку, и рояль становится похожим на огромную диковинную птицу, взмахнувшую крылом.

Пианино вы, наверное, видели в школе или клубе, а возможно, оно есть у вас или у ваших знакомых. Пианино гораздо скромнее своего «знатного» родственника, занимает меньше места. Да и звук у него слабее, чем у рояля.

И на пианино, и на рояле играют совершенно одинаково, притом одни и те же пьесы, на нотах которых написано: фортепианные. В чем же тут дело? Почему такое странное название?

Чтобы ответить на эти вопросы, попробуем отправиться в путешествие в далекое прошлое.

Очень-очень давно, в Древней Греции, еще во времена Пифагора, о котором каждый школьник знает по знаменитой теореме, существовал музыкальный инструмент, который называли монохордом (monos — по-гречески один, chorde — струна). Это был длинный и узкий деревянный ящик с натянутой сверху струной. От ящика, сделанного из специального дерева, зависели тембр и громкость звука. Струна плотно прикреплялась к ящику неподвижными подставками, а кроме них была еще одна — подвижная. Она передвигалась по струне, то укорачивая звучащую часть ее, то снова удлиняя и тем изменяя высоту звука.

Музыкальный словарь в рассказах (с иллюстрациями)

МОНОХОРД


Постепенно к одной струне стали прибавляться другие. Играли на них, защипывая струны пальцами или особыми пластинками — плектрами (медиаторами), а иногда — ударяя по струне палочками, молоточками.

Шли века, инструмент продолжал совершенствоваться. Ящичек стал прямоугольным, а на одной из его сторон разместилась клавиатура, то есть ряд клавиш (от латинского clavis — ключ). Теперь играющий нажимал на клавиши, а они приводили в движение так называемые тангенты — металлические пластинки. Тангенты касались струн, и те начинали звучать.

Этот инструмент стал называться клавикордом (от латинского clavis и греческого chorde). Его должны были ставить на стол и играть стоя.

Конечно, никто не считал этот инструмент пределом совершенства. Он возник, как считали ученые, в XII веке, и на протяжении целых пяти веков мастера разных стран старались его улучшить. Чтобы звук стал сильнее, решили на каждую клавишу ставить не одну, а несколько струн, увеличили размер ящика.

Со временем у клавикорда стали делать несколько клавиатур. Они помещались одна над другой в виде лесенки. Каждой клавиатуре соответствовал определенный регистр инструмента.

Звук клавикорда был очень нежным и певучим. Исполнитель по своему желанию мог играть громче или тише. Слегка покачивая клавишу, он тем самым раскачивал струну, вызывая своеобразное трепетание звука. Современники писали о клавикорде: «Он более пригоден для домашней и нежной музыки, нежели для эстрады или больших помещений». Он служит «…утешением в страданиях и другом, участвующим в веселии».

Музыкальный словарь в рассказах (с иллюстрациями)

КЛАВИКОРДЫ


Но был у клавикорда и существенный недостаток: несмотря на все усовершенствования, большой громкости звука так и не удалось добиться.

Конечно, «утешал в страданиях» клавикорд только очень богатых людей. Ведь он был предметом роскоши, украшением гостиных и салонов. Поэтому клавикорды делали нарядными, красиво изукрашенными перламутром, позолотой, драгоценными породами дерева. В конце XVII века во Франции нижние клавиши (те, что в современных роялях делаются белыми) стали вытачивать из черного дерева, а верхние обкладывали слоновой костью. Говорят, это делалось для того, чтобы на темном фоне лучше выделялись изящные белые руки знатных дам-клавикордисток. Однако играть на такой клавиатуре было не очень удобно: темные клавиши сливались, границы между ними оказывались незаметными. И в XVIII веке расположение цветов на клавиатуре изменилось. Оно стало таким, какое мы видим и теперь у пианино и роялей.

Клавикорд был не единственным клавишным инструментом. Одновременно с ним возник и развивался другой, похожий на него и в разных странах называвшийся по-разному: клавицимбал, чембало, вирджинал, клавесин. Последнее название, самое распространенное, в конце концов стало общим, собирательным для всех разновидностей этого инструмента.

В отличие от клавикорда, струны клавесина были разной длины, и это определило характерную форму, которая потом перешла к роялю.

Вначале это тоже был ящик, который ставили на стол. Позднее же инструмент встал на собственные ножки — изящные, точеные.

Музыкальный словарь в рассказах (с иллюстрациями)

КЛАВЕСИН


Звук на клавесине извлекался не ударом, а щипком: клавиша приводила в движение упругие язычки (чаще всего их делали из птичьих перышек), которые зацепляли струну. Он был сильнее, чем у клавикорда, но не так выразителен и красив. Исполнитель не мог влиять на его качество, как при игре на клавикорде. С какой бы силой ни ударяли по клавишам, делали это резко или мягко, — ничего не менялось. Чтобы как-то разнообразить звучание, мастера придумывали различные приспособления. Так, делались инструменты с несколькими клавиатурами, отличавшимися друг от друга степенью громкости звука. Наконец, появилась педаль — рычаг, который нужно нажимать ногой. При ее помощи можно было внезапно ослабить звук.

Клавесин был не только домашним инструментом. Он включался в различные ансамбли, даже в оркестр, где на нем исполняли партию сопровождения. За клавесином сидел дирижер. Левой рукой он играл аккорды, а правой руководил оркестром.

Значительной была роль клавесина и как сольного инструмента. Пьесы для него писали многие композиторы XVII–XVIII веков: итальянские, французские, немецкие, английские. В истории музыки их называют клавесинистами. Наиболее известны французские клавесинисты — Куперен, Дакен, Рамо. Они писали танцы для клавесина, такие, как менуэт, гавот, ригодон, создавали своеобразные музыкальные портреты и картинки: «Жнецы», «Вязальщицы», «Флорентинка», «Цыганка», «Бабочки» и даже… «Курица».

Эти изящные небольшие пьесы, обильно изукрашенные мелизмами (прочтите о них в этой книжке), были вполне в духе того времени, когда носили пудреные парики, платья со множеством бантиков и кружев.

К этому «галантному стилю» очень подходил и тембр клавесина, напоминающий звук струнных щипковых инструментов, но более полный и богатый.

Все музыкальные инструменты непрерывно совершенствовались. Продолжали поиски и клавирные мастера. И вот в 1711 году в итальянском городе Падуе клавесинный мастер Бартоломео Кристофори изобрел новый инструмент. Звук в нем извлекался деревянными молоточками с обитыми упругим материалом головками. Теперь исполнитель мог играть тише или громче — piano или forte. Отсюда и пошло название инструмента — пианофорте, а позднее — фортепиано. Название это сохранилось до нашего времени и является объединяющим для всех струнных клавишных инструментов.

Первые фортепиано по звучанию были очень мало похожи на те великолепные инструменты, которые сейчас можно видеть в наших концертных залах. Механизм, служащий для удара по струнам, был в них еще весьма несовершенным, и вначале фортепиано не могло успешно соревноваться с признанным в то время королем музыкальных инструментов клавесином. На протяжении почти всего XVIII века композиторы продолжали писать музыку для старшего брата фортепиано. А тем временем новый инструмент улучшался. Усложнялось его устройство, изменялось расположение струн.

У фортепиано молоточек при нажатии клавиши ударяет по струнам одинаковой длины и толщины. И вот со временем появилась педаль (сейчас ее называют левая педаль), которая сдвигает молоточки в сторону так, что они ударяют не по трем струнам, а по двум или одной, в зависимости от желания исполнителя. Это меняет тембр звука и его силу.

Когда пианист нажимает клавишу, молоточек ударяет по струнам. От них отскакивает войлочная подушечка — глушитель (демпфер). Струны от удара дрожат — вибрируют — и возникает звук. Если бы глушитель не отходил от струн, то звук был бы глухим и коротким. А если бы глушителя не было вовсе, струны колебались бы гораздо дольше, чем нужно, и вместо музыки слышался бы сплошной гул. Так что глушитель — очень важная деталь инструмента.

Отпустим клавишу — звук прекратился. Но не потому, что на место вернулся молоточек: он еще раньше отскочил от струны, чтобы не мешать ей колебаться. Теперь на место вернулся глушитель. Он плотно прижался к струне и заглушил звук. Еще одна педаль — правая, — появившаяся затем у фортепиано, стала отводить глушители от струн. Нажав ее, можно отпустить клавиши, но звук все равно будет тянуться долго-долго, пока не угаснет, так как педаль не позволит глушителям вернуться на место. Правая педаль позволила ввести в фортепианную музыку новые краски, новые интересные эффекты.

На протяжении XIX века сложились два основных вида фортепиано: горизонтальный — рояль (по-французски royal — королевский) с корпусом в виде крыла и вертикальный — пианино (по-итальянски pianino — маленькое пиано). Рояль стал концертным инструментом. Он используется там, где нужна полная, мощная звучность. Пианино мы встречаем в тех местах, где нельзя поставить большой рояль и можно обойтись меньшей силой звука.

Очень многие композиторы XIX и XX веков писали и пишут для фортепиано. Их привлекают его огромные, поистине безграничные возможности. Его диапазон включает в себя диапазоны почти всех остальных музыкальных инструментов. Сила звука может быть самой различной, от легчайшего пианиссимо до мощного фортиссимо. На фортепиано исполняют и певучие мелодии, и многозвучные аккорды, и виртуозные пассажи. Инструмент может звучать нежно, как флейта, а может, и как целый оркестр.

Для фортепиано писали Бетховен, Шуберт, Шуман, Мендельсон, Шопен и Григ, Чайковский, Мусоргский, Балакирев, Рахманинов и Скрябин. Очень большую роль в раскрытии возможностей этого инструмента сыграл Лист, который не только сочинял фортепианные пьесы, но и перекладывал для рояля различные произведения, написанные для симфонического оркестра, вплоть до симфоний Бетховена. Лист хотел доказать, что рояль не уступает оркестру по своим выразительным, художественным возможностям.

«Душой фортепиано» называли великого польского композитора Шопена. Почти все свои произведения он создал только для рояля. Много музыки для фортепиано написано советскими композиторами — Прокофьевым, Шостаковичем, Хачатуряном, Кабалевским и другими.

Весь мир знает прославленных пианистов — от Листа и Шопена, которые были не только композиторами, но и выдающимися исполнителями на этом инструменте, до братьев Антона и Николая Рубинштейна. Огромной известностью и любовью слушателей пользуются Святослав Рихтер, Эмиль Гилельс, Артуро Бенедетти Микеланджели, Глен Гульд, Ван Клиберн, Элисо Вирсаладзе, Владимир Крайнев, Дмитрий Башкиров, Михаил Плетнев и др.


ФУГА. Этим словом, ведущим свое происхождение от латинского fuga — бег, бегство, побег — называется многоголосное полифоническое произведение, сочиненное по особым, весьма строгим законам.

В основе фуги лежит, как правило, одна музыкальная тема — яркая, хорошо запоминающаяся. Тема эта звучит последовательно в разных голосах (об имитации — основном приеме строения фуги — вы можете прочесть в соответствующем рассказе). В зависимости от количества голосов фуга может быть трехголосной, четырехголосной и т. д.

Встречаются в музыкальной литературе фуги, написанные не на одну, а на две или даже три темы. Тогда они называются, соответственно, двойными и тройными.

Фуга — это высшая, самая сложная форма полифонической музыки.

Особенно часто обращался к фуге И. С. Бах. Как правило, фуга составляет миниатюрный цикл вместе с предшествующей ей прелюдией. Такие циклы, кроме Баха, писал и Шостакович.

Иногда фугу предваряют и другие формы, например, фантазия, вариации или хорал.

Фуга может быть не только самостоятельным произведением или частью цикла, но и частью или эпизодом крупного сочинения — симфонии, оратории, кантаты или реквиема. В симфонии чаще встречается не фуга в полном, законченном виде, а построение вроде фуги, содержащее в себе первые проведения темы и переходящее затем в музыку гомофонного склада. Такие построения носят название фугато.

Маленькая фуга называется фугетта.


предыдущая глава | Музыкальный словарь в рассказах (с иллюстрациями) | cледующая глава