Глава 4 Кадр
Каждый фильм или телепрограмма состоит из множества кадров. Можно сказать, что экранное произведение - это цепочка кадров.
Зрители очень внимательно относятся к каждому из них. Просмотрев двухчасовой детектив, они вряд ли смогут припомнить все кадры, из которых он состоит. Но если в фильме или телепрограмме авторы повторят какой-либо кадр дважды, зрители сразу это заметят.
Теоретики экранного искусства называют кадр наименьшей единицей изобразительного ряда. Говорят еще и так: кадр - это наименьшая единица образного ряда.
Ответственное отношение режиссера к решению и построению каждого кадра - это тест на профессионализм.
Известна история о том, как молодой режиссер-дебютант пришел к Сергею Эйзенштейну просить напутствия перед первыми самостоятельными съемками. Эйзенштейн поинтересовался, что именно будет снимать режиссер в первый день. И тот ответил, что ничего особенного -переднюю, где стоят сапоги.
- Вы должны так снять эти сапоги, - сказал Эйзенштейн, -чтобы, если вы вдруг (не дай Бог!) попадете под трамвай, все сказали бы: смотрите, какой замечательный был режиссер - снял всего лишь один кадр с сапогами, но зато какой кадр остался!.. Вот так и снимайте! Кстати, под трамвай попадать не обязательно.
Относительная легкость видеосъемки (автоматизированные камеры, отсутствие лимита пленки) и безграничные возможности телевизионного монтажа порождают у недостаточно опытных авторов эйфорию. Им кажется, что главное - наснимать как можно больше материала, а там обязательно «что-то выберется». Плохая композиция кадра - не беда, при монтаже что-то выкадруем. Аляповатый цвет - сделаем этот кадр черно-белым. Кадр слишком длинный и скучный - мы его при монтаже ускорим. Кадр промелькнул слишком быстро - замедлим. Кадры не монтируются - не беда: в компьютере развернем зеркально, и все будет нормально...
Таких комфортных условий работы не знали поколения кинорежиссеров. У них не было возможности исправить ошибки, допущенные во время съемок. Это требовало от них напряженной подготовки к съемкам, тщательного решения каждого кадра.
Конечно, режиссер должен знать возможности современной телевизионной техники. Но ее не следует использовать лишь в аварийном режиме. Телевизионная техника может помочь режиссеру, она способна усилить звучание каждого кадра. Однако думать об этом режиссер должен не после съемок, а намного раньше.
У самого термина «кадр» есть два значения.
Кадром, согласно общепринятой терминологии, называют отрезок пленки, который снят одним нажатием кнопки, включающей кинокамеру или видеокамеру.
Кадром также называют отдельное изображение на пленке. На кинопленке оно похоже на фотокадрик, но расположено не горизонтально, а вертикально. Отдельный кадрик на видеопленке мы можем увидеть только на экране, когда остановим запись.
Если речь идет о длине кадра, о том, статичный он или динамичный, имеют в виду первое значение слова «кадр».
Если же речь идет о композиции кадра, в большинстве случаев подразумевают именно такой отдельный кадрик.
Когда экранное искусство только зарождалось, один кадр и был фильмом. Достаточно вспомнить «Прибытие поезда» или «Политого поливальщика» братьев Люмьер. Каждый из этих фильмов был снят одним нажатием на кнопку съемочной камеры.
В классическом фильме Альфреда Хичкока «Веревка» (1948 г.) каждый кадр имел продолжительность десять минут (больше не позволяла сама технология кинопроизводства и кинопроката).
Один из последних фильмов кинорежиссера Александра Со-курова «Русский ковчег» - это попытка снять одним кадром с помощью видеотехники полуторачасовую игровую картину. Фильм снимался в Зимнем дворце и рассказывал о событиях, которые на протяжении последних четырех столетий происходили в России. Излишне говорить, насколько сложна и трудоемка подобная работа. Ни оператор, ни актеры, ни многочисленные статисты не имели права на малейшую ошибку во время съемок. И если она случалась, все приходилось начинать с самого начала.
Возможности кадра безграничны. Монтаж, интересное звуковое решение могут прибавить выразительность и блеск экранному произведению. Но если нет первоосновы - выразительных кадров, об успехе не стоит и думать. Поэтому легкомысленное отношение к отдельному кадру (кадров, мол, много, один лучше, другой хуже - не из чего делать проблему!) - первый признак профессиональной безответственности и беспомощности режиссера.
Одна из важнейших характеристик изображения в кадре -КРУПНОСТЬ ПЛАНА.
Крупность плана - это размер изображения в кадре. Крупность целиком зависит от того, на что именно режиссер хочет обратить внимание зрителя. То есть для того, чтобы решить, какой крупности план нужно снимать, режиссер должен точно знать, что именно он хочет сказать этим кадром.
Представьте себе такой кадр. В кафе сидит девушка, пьет кофе. Она снята довольно крупно. За спиной девушки появляется парень тоже с чашкой кофе, он озирается по сторонам в поисках свободного места, потом вежливо спрашивает у девушки, свободно ли место возле нее и можно ли присесть рядом. Она не возражает. Парень садится. И в этот момент наша камера отъезжает от героев. Открывается все кафе - и мы видим, что оно абсолютно пустое, за многочисленными столиками нет ни одного посетителя, кроме наших героев.
Смена крупности плана способна мгновенно изменить содержание кадра, расставить новые акценты, придать происходящему интригу, окрасить сцену в иронический или лирический тон. И за всеми этими действиями сразу же начнет угадываться рука режиссера, его манера и стилистика.
Михаил Ромм когда-то приводил пример из одного старого немого фильма. Безработный парень со своей молодой женой страшно бедствуют. После долгих перипетий и мытарств он находит работу. Счастливый муж приносит домой несколько заработанных долларов. Молодожены так рады этому первому заработку, что решаются потратить два доллара на билеты и пойти в цирк. Финал картины. На арене выступает клоун. С ним смонтирован крупный план хохочушей пары - наших героев. Затем начинается медленный отъезд от них. В кадр входят их соседи -справа и слева, сверху и снизу. В кадре смеются двадцать, тридцать, сто, двести человек, тысяча... «Уже с трудом можно отыскать знакомую пару, потерявшуюся среди людского моря, а аппарат отъезжает все дальше, и зритель начинает понимать, что означает этот отъезд камеры - он означает: таких, как эти двое, -миллионы. Идет затемнение и надпись: «Конец»-*
Хотя это может кому-то показаться элементарным, но разговор о режиссерских возможностях в работе над КАДРОМ мы все же начнем именно с КРУПНОСТИ ПЛАНА.
КРУПНОСТЬ ПЛАНА
Когда-то историк кино Жорж Садуль заметил, что все типы крупности планов, еще задолго до рождения кинематографа, использовались в пластических, декоративных и ювелирном искусстве (пейзаж, портрет в полный рост, бюсты, медали, камеи и т.п.).
Добиться нужной крупности плана можно, приближая или отдаляя съемочную камеру от объекта съемки, отъездом или наездом с помощью трансфокатора или использованием объективов с разными фокусными расстояниями.
Масштабом для определения крупности плана условились считать фигуру стоящего человека.
Существует несколько вариантов деления на планы. Вот один из наиболее распространенных.
ОБЩИЙ план - в кадре могут расположиться несколько человек в полный рост. В кадре может и не быть человека, но если он аналогичен по масштабу, его тоже считают общим. К общим планам относятся также изображения больших пространств, заполненных людьми, широкого, открытого пейзажа и т.д.
СРЕДНИЙ план - один человек или несколько людей, снятых по пояс или по колено.
КРУПНЫЙ план - голова человека. Все, что отвечает этому масштабу, тоже считается крупным планом.
ДЕТАЛЬ - крупное, на весь экран, изображение маленьких предметов (нож, замок, глаз и т.п.).
Общий план мгновенно вводит зрителя в ход событий, позволяет быстро сориентироваться в пространстве и времени. Именно с общего плана чаще всего начинаются репортажи в программах новостей. С общих планов начинается множество художественных фильмов.
Если мы делаем, к примеру, телерепортаж о драматичных событиях, связанных с аварией на шахте, для экстренной программы новостей, то первым кадром, скорее всего, будет общий план шахты или адресный план шахтерского поселка. Зритель должен мгновенно понять, где происходит действие: на Донбассе, в Воркуте или в Колумбии. Трудно представить себе, чтобы режиссер начал подобный репортаж с крупного плана мотылька, испуганной белочки или с длинного кадра кружащегося в воздухе желтого листика.
Если важные политические события происходят в Москве, первый кадр репортажа об этом будет общим, адресным -Кремль, Красная площадь, Тверская улица и т. п. Трудно представить себе, чтобы подобный сюжет начинался, скажем, с крупного плана (даже с детали): в очках на носу Владимира Жириновского отражается Григорий Явлинский. Этот кадр мог бы иметь свое место в фильме или телепрограмме, но в контексте нашего репортажа он не может быть первым.
Общие планы заснеженных улиц со старыми машинами, бедно одетыми замерзшими прохожими - и мы мгновенно понимаем: это послевоенная Москва режиссера Алексея Германа.
Средневековый замок, к которому мчится экипаж в сопровождении мушкетеров, - и зритель с молниеносной скоростью переносится в эпоху Анжелики - маркизы ангелов.
Вспомним финал фильма Никиты Михалкова «Несколько дней из жизни Обломова». Маленький мальчик бежит встречать маму («Маменька приехала, маменька приехала!..» -кричит он). Есть бесчисленное количество способов снять сцену, где малыш бежит навстречу матери. Можно использовать и крупный план, чтобы увидеть глаза ребенка. Можно следить за малышом на среднем плане. Можно бежать за ним, рядом с ним, перед ним. Что выбрать режиссеру, какой вариант? Михалков снимает это общим планом: ребенок бежит от нас, удаляется, камера поднимается, мы видим величественный пейзаж и маленькую беззащитную фигурку ребенка, которая, уменьшаясь, превращается в светлую точку на фоне холодного красивого пейзажа. Режиссер выбрал общий план не потому, что ему так уж этот пейзаж понравился. В этом кадре - философия фильма. Встреча маленького и беззащитного человека с миром, холодным и равнодушным. Это разговор о том, как тяжело и одиноко жить на свете. Это - про «одинокий голос человека», как писал Андрей Платонов.
Известный французский теоретик кино Марсель Мартен в своей книге «Язык кино» писал:
«Почти все типы планов не имеют иной цели, кроме удобства восприятия и ясности рассказа. Только крупный и общий планы имеют определенное психологическое значение и играют не только описательную роль. Показывая издали маленькую фигурку человека, общий план представляет его как часть окружающего материального мира, который подавляет и как бы «объективизирует» его; отсюда порой некоторая пессимистическая окраска, общая мрачная психологическая атмосфера, присущая общему плану. Поэтому общий план часто выражает: одиночество (Робинзон Крузо кричит в отчаянии перед безбрежным океаном, в фильме Бунюэля), бессилие в борьбе с безжалостной судьбой (жалкий силуэт героя «Алчности», прикованного к трупу в Долине смерти), безделье («Шалопаи», убивающие время на пляже); он вводит людей в пейзаж, который как бы служит им защитой и скрывает их (эпизод в болотах По, в фильме «Пайза»), или показывает персонажей на фоне обширного и полного неги пейзажа, подчеркивающего их страсть (прогулка по пляжу в «Буксирах»)»2
Детальный анализ общих планов сделали искусствоведы Юрий Лотман и Юрий Цивьян: «Так, например, в «Андрее Рублеве» Андрея Тарковского чередование дальних планов с просторными, раскинутыми пейзажами и закрытых пространств (кельи, темные, тесные интерьеры) создают антитезу свободы и неволи. Однако тут же возникает и противоположное осмысление: степной простор несет разрушение, а созидание воплощено в строительстве духовного пространства (церкви). Вторжение открытого пространства в закрытое (в разрушенной церкви падает снег) символизирует не свободу, а уничтожение. Очень интересна смысловая нагруженность планов в фильмах Антонио-ни. Так, например, в фильме «Профессия: репортер» обширные дальние планы африканской пустыни и пустынных пейзажей Испании создают не впечатление открытого пространства, а гнетущее ощущение невозможности скрыться. Аналогичную парадоксальную связь дальнего плана с чувством безнадежности мы находим в фильмах венгерского режиссера Миклоша Янчо. Фильм «Без надежды» начинается кадром: две темные фигуры средним планом на фоне сверкающе-белой снежной степи. Короткий допрос. «Вы можете идти» На экране спины двух людей. Один - крупным планом - стоит на месте. Этот человек наблюдает и ждет. Второй быстро удаляется: общий план - дальний план. Выстрел. Уходящий человек падает. На белом фоне в полной тишине две черные фигуры - стоящая и лежащая. Для ряда фильмов Янчо существенно, что действие происходит в пространстве, получающем в художественном контексте символический смысл. Это «пуста» - степь в южной Венгрии, бескрайнее, ровное, как скатерть, пространство, по которому редко разбросаны хутора и небольшие деревни. Укрыться здесь негде: ни леса, ни кустов, а владельцы хуторов, боясь карателей, отказываются прятать беглецов. Бескрайнее однообразие пейзажей, снятых дальним планом, для беглеца (а герой фильмов Янчо часто беглец) дышит безнадежностью»3
Кинорежиссеру Отару Иоселиани как-то был задан вопрос корреспондентом французского журнала «Позитифф»: «В фильмах «И стал свет», как и в «Охоте на бабочек», вы часто пользуетесь общими планами?» О. Иоселиани: «Когда я осознал, что меня меньше всего интересуют индивидуальности, что все равны и каждый несет в себе свою тайну, стало ясно: крупный и средний план мне не нужны. Камера не может проникнуть во внутренний мир человека. Все равно, как ни старайся, это будет фальшивый стриптиз. А если человека видишь в полный рост, он становится носителем определенного знака. Узнаваемость ему сообщают и режиссура, и его собственные жесты. Этот принцип обратен тому, которому следуют режиссеры, имея перед собой, скажем, такую актрису, как Аджани. Снимая Аджани на крупном плане, они стремятся использовать ее эмоциональность, ее взрывную психику, но им никогда не распознать, что происходит у нее внутри»4
Режиссер Терри Гиллиам известен своей любовью к широкоугольным объективам. Его общие планы в фильме «Братья Гримм», например, содержат массу всевозможных деталей и ярких элементов, создающих атмосферу и настроение. Повергая в уныние своих продюсеров, он не устает выстраивать широкие пространственные композиции. Тут в кадре и главные действующие лица, и всевозможные животные, и жанровые сценки на дальнем плане, и живописные улочки средневекового города с дымящими трубами над крышами, и возвышающийся вдали замок. Мир на экране становится огромным и удивительно наполненным, завершенным.
Средний план, наверное, наиболее употребительный. Он дает представления и о месте действия, и о том, как расположены персонажи. На среднем плане можно увидеть и окружающую обстановку, и реакции героев. И главное - взаимодействие персонажей. Это универсальный план. Он предоставляет зрителю наиболее полную и разнообразную информацию.
Но стоит учесть: неточное построение среднего плана может привести к появлению на экране множества лишних, отвлекающих на себя внимание деталей.
Большинство важных актерских сцен снимаются средним планом. Мы все видим, замечаем и понимаем. В начале двадцатого столетия, когда кино было еще немым, а зритель не очень искушенным, режиссеры «подсказывали» с помощью очень крупных планов, что именно происходит (широко раскрытые глаза героини - она удивлена, руки сжимаются в кулаки - герой в отчаянии и т.п.). Сейчас режиссеры предпочитают более изящные приемы. На среднем плане мы прекрасно видим и понимаем игру Дастина Хоффмана или Николь Кидман. Кстати, средний план «до колен» часто называют «американским» планом, так как он издавна пользуется большим уважением на студиях Голливуда.
Выдающийся французский режиссер Робер Брессон в свое время активно выступал против немотивированного злоупотребления изменением масштаба изображения. Он говорил: «Человек ведь не меняет каждую минуту на носу очки! И камера -это не швабра, она не должна все время ездить туда-сюда»
Когда я пишу эти строки, на одном популярном телеканале идет ежедневная программа. Это ток-шоу. Беседует журналист с гостем. Хорошая эффектная студия. Остроумный ведущий. Но две камеры, направленные на гостя и ведущего, ни на минуту не останавливаются. Они то наезжают на людей, то отъезжают, то слегка панорамируют вправо-влево, так что голова, скажем, гостя на среднем плане оказывается ежеминутно то в правом углу кадра, то в левом. Камеры шарят по этим двум фигурам, ни на секунду не останавливаясь. Причем общий план (третья камера), когда мы ненадолго видим в кадре обе фигуры, снят статично. Но длится он всего мгновение. Вновь режиссер переключается на камеры, ползающие по лицам и стенам декорации. Это баловство камер приводит к тому, что складывается стойкое ощущение: мы смотрим на обоих героев каким-то не очень трезвым взглядом. Мы будто силимся сфокусироваться на них, но непреодолимая сила заставляет нас упорно раскачиваться из стороны в сторону. Это неоправданное режиссерски, ничем не мотивированное бессмысленное движение камеры, на мой взгляд, раздражает и отвлекает от сути разговора в студии.
Средний план тоже может быть и выразительным, и остроумным.
В одном из фильмов Чарли Чаплина есть такой эпизод. От пьяницы (его играет Чаплин) ушла жена. На экране кадр, снятый средним планом. Спиной к нам стоит герой. Перед ним на столе фотокарточка бывшей жены. Плечи и вся фигура Чаплина содрогаются от неслышных рыданий. Эта трогательная сценка заканчивается несколько неожиданно. Герой поворачивается к нам лицом. И мы видим, что он и не собирался рыдать. А трясется он потому, что взбивает в шейкере очередной коктейль.
Когда-то автору этих строк пришлось снимать фильм об очень интересном человеке, старом ученом-астрономе. Вместе со своей женой ученый жил в маленьком покосившемся домике. Он уже плохо видел. Почти слепой была и его старенькая супруга. К ним никто не приходил. Дети жили в других городах. Маленькие комнаты были заполнены каким-то хламом. Среди беспорядочно сваленных кастрюль, книг, одежды на мои глаза попался старый орден Ленина, которым был когда-то награжден наш герой, а рядом валялись бутылки и банки. Вместе с хозяевами прямо в комнате жили несколько больших собак, множество котов и невероятное количество ворон и голубей. Передвигались хозяева по квартире, держась за стены. Хотя прошло с тех пор уже много лет, я живо помню свое потрясение от этого зрелища. Времена были такие, что снимать все как есть было абсолютно невозможно. Не мог, не должен был жить так ученый с мировым именем, гордость отечественной науки, о котором в Советском Союзе снимают кино. К счастью, наш фильм был не столько о личности и судьбе этого человека, сколько о его научном открытии, сделанном еще в тридцатые годы. Вместе с оператором Дмитрием Санниковым мы придумывали всевозможные трюки, чтобы хоть что-нибудь снять в этой «нехорошей» квартире. Снимали преимущественно крупными планами, чтобы не лезла в кадр вся эта рухлядь и совершенно неуместная живность. Наша камера следила за тем, как отражается лицо ученого в стеклах картин, висящих на стене. Как выразительна его тень на шкафу. Мы пытались снять его портрет ночью, с улицы через окно, но не смогли грязное окно отмыть. Это нас не остановило. Мы привезли со студии новое окно и все-таки сняли задуманное! Наш фильм был признан довольно удачным. Он рассказывал о малоизвестных вещах. На фестивале «Молодость» я даже получил приз «За режиссуру». Но... Если бы можно было возвратить время назад! Конечно, все те крупные планы, которые мы оставили истории, - это просто игра. Это и не вранье, и не правда. Именно средние планы и кинонаблюдения показали бы настоящую жизнь наших героев: как они завтракали вместе с голубями и воронами за одним столом, как, поддерживая друг друга, добирались из комнаты в комнату, как искали очки, которые уже не помогали, чтобы отремонтировать довоенный телефонный аппарат. Средние и общие планы дали бы нам возможность передать подлинную невымышленную атмосферу этого странного дома. Однако мы сделали все от нас зависящее, чтобы этого не произошло...
В фильме Сергея Эйзенштейна «Броненосец «Потемкин» есть знаменитый эпизод с каменными львами. Один спит, второй проснулся и поднял голову, третий вскакивает на задних лапах. Смонтированные один за другим, они создают впечатление, будто каменный лев проснулся и вскочил. Поставленные в определенном контексте фильма, эти кадры стали символом начала восстания, когда даже «камень не может выдержать тех зверств, которые творятся, когда все поднимаются на борьбу» Несколько этих кадров (средних планов) метафорически воплотили идею революции.
Современный американский режиссер Вуди Аллен в своем фильме, пародировавшем русские классические романы и фильмы, по-своему воспользовался знаменитыми эйзенштейновски-ми кадрами. Россия, девятнадцатый век. Господское имение. У входа - каменные львы, подозрительно смахивающие на львов Эйзенштейна. После неистовой любовной сцены, в которой принимают участие герой-супермен, он же русский князь-гусар (его играет сам Вуди Аллен) и его очаровательная подруга, на экране вдруг появляются эти львы. Но смонтированы они не в той последовательности, что у Эйзенштейна, а наоборот. Они не вскакивают, а утомленно падают и тут же засыпают.
Крупный план.
Первые фильмы, как известно, были сняты общими планами.
Один из отцов кинематографа — выдающийся французский режиссер Жорж Мельес - считал, что крупность изображения на экране должна быть такой, будто зритель находится в пятом ряду партера и смотрит на сцену.
Однако очень быстро выяснилось, что зрителей на киносеансах поражают некоторые неожиданые детали. Так, например, в одном из первых фильмов братьев Люмьер «Завтрак ребенка» (1895 г.) общий восторг вызвала не столько живая сценка за столом, сколько то, что на заднем плане раскачивалась на ветру «настоящая» листва.
Первые попытки сделать камеру более раскованной и приблизиться к объектам съемки вызвали сопротивление и большие опасения продюсеров. Они боялись, что зрители потребуют возврата половины денег, если на экране будет лишь половина актера. Так, например, прокатчики обвинили известного американского режиссера Сесил я де Милля в том, что его фильм принесет убытки, так как он не только слишком крупно снял шпиона, прячущегося за шторой, но еще и осветил его фигуру лишь наполовину. Режиссер, оправдываясь, сослался на творчество великого Рембрандта. Прокатчики мгновенно выпустили фильм, сопроводив его такой рекламой: «Первый фильм с освещением в стиле Рембрандта» - и вдвое увеличили цену на билеты.
Историки кино считают, что именно английский режиссер Джордж Смит первым стал широко использовать в своих фильмах крупные планы, В 1900 году в фильмах Смита зрители увидели и крупный план кошки, которую лечат дети, и маленькую мышь, которая наделала переполох в художественной школе. Потом режиссер показал то, что можно увидеть через увеличительное стекло и телескоп.
Уже другие режиссеры превратили крупный план из забавного трюка в очень сильное и выразительное художественное средство. Это были Дэвид Уорк Гриффит и Сергей Эйзенштейн.
Крупный план позволяет установить наибольший контакт с героем. Если мы так приблизились к нему, значит, это не случайно. Мы следим за тончайшими и сложными чувствами, мгновенными эмоциями. Мы привлекаем внимание зрителей именно к этой детали. То, что мы показываем крупным планом, Должно быть важным по смыслу. Это - акцент на чем-нибудь. Это что-то наподобие восклицательного знака.
Известный теоретик кино Бела Балаш, исследуя возможности крупного плана, приводил среди прочих такой классический пример использования крупного плана: Дэвид Гриффит снял эпизод, в котором торговец-китаец подбирает у своей двери потерявшую сознание девушку. Он приводит ее в чувство. «Девушка понемногу выздоравливает, но ее лицо словно застыло в трауре. «Ты умеешь улыбаться?» - спрашивает ее китаец, к которому испуганная девушка мало-помалу начинает проникаться доверием. «Я попробую», - говорит Лилиан Гиш. Она берет в руку зеркало и пальцами поднимает вверх уголки рта. То есть перед зеркалом она делает гримасу улыбки. Получается мученическая маска, вызывающая скорее страх. С такой «улыбкой» она поворачивается к китайцу. Но его добрый взгляд вызывает у нее настоящую улыбку. Выражение лица остается неизменным. Только теперь оно согрето глубоким внутренним чувством, и неуловимый тонкий оттенок превращает гримасу в естественную улыбку. Во времена немого кино крупный план составлял целую сцену. Здесь было все - и счастливая находка режиссера, и мастерство актера, и интересное новое переживание для публики»5
Для режиссерской выдумки крупные планы - безграничное
поле деятельности.
Творческое использование крупных планов может значительно усилить художественное впечатление сцены или эпизода. Как известно, показ «части вместо целого» - издавна известный и распространенный в разных видах искусства прием.
В старом фильме «Тринадцать» Михаила Ромма один из важнейших эпизодов был решен именно на крупных планах. Красноармеец, которому удалось вырваться из окружения, скачет на коне через пустыню за помощью. Мы так и не увидим, как всадник преодолевает длинный путь. Тем не менее мы увидим его следы. Сначала следы коня, потом следы человека (конь не выдержал первым), мы понимаем, что человек по колени проваливался в песок, мы видим по следам, как заплетались его ноги, как тяжело было идти. Длинная цепочка следов тянется до горизонта (общий план). И снова крупный план - брошенное ружье. Мы понимаем, что у человека почти не оставалось сил, если уж он бросил оружие. Еще следы. И на песке мы видим саблю. Даже ее человек не мог уже нести. Перед нами постепенно разворачивается трагическая история борьбы человека с бескрайней пустыней.
Для настоящих режиссеров, больших мастеров экрана, переход с одной крупности плана на другую никогда не был делом случайным. Аргументы вроде того, что «надоело смотреть общий план, так почему бы не перейти на крупный?» или «мы вставили этот крупный план только потому, что без него два других не монтируются» - не самые убедительные.
Когда есть удачный драматургический и режиссерский замысел, даже простенький, на первый взгляд, крупный план способен подняться до образных высот.
В американском фильме «Я беглый каторжник» (режиссер Марвин Ле Рой) отчаявшийся ветеран войны Ал лен, потеряв работу, несет в ломбард самое ценное, что у него есть, - воинскую медаль. На крупном плане мы видим, как клерк вытягивает ящик стола и небрежно швыряет туда медаль. Мы замечаем: в ящике целая груда точно таких же медалей.
Несколько ранее мы подчеркивали, что именно общий план стремительно вводит зрителей в ход событий и позволяет сориентироваться, где и когда происходит действие. Поэтому общие планы нередко начинают фильмы или телепрограммы. Но иногда режиссер хочет заинтриговать зрителя и не желает сразу же открывать все карты. Множество детективных фильмов начинаются именно с крупных планов: чья-то рука бесшумно открывает отмычкой замок, ноги осторожно шагают по лестнице и т.п.
В начале итальянского фильма режиссера Дамиано Дами-ани «Следствие закончено, забудьте» мы видим на крупном плане стол, на нем - множество изысканных блюд и напитков. Рука берет бокал с вином. План более общий: самодовольный, элегантный человек пьет вино. Камера медленно отъезжает, мы еще некоторое время считаем, что действие происходит где-то на банкете или на вечеринке. Но через мгновение понимаем: это - камера в тюрьме. А элегантный человек -босс мафии, попавший за решетку.
В одном из документальных фильмов речь идет о пожилом человеке - некогда знаменитом рок-музыканте и байкере. Мы видим его крупный план - он несется (судя по звуку - на мотоцикле, как когда-то!) по дороге. Развеваются на ветру совершенно седые волосы. Затем - общий план. Оказывается, наш пожилой герой едет всего-навсего на стареньком велосипеде.
В маленьком учебном фильме несколько детишек спорят друг с другом, размышляя о том, что такое любовь и смерть. Они сняты крупными и средними планами. Только в конце - отъезд до общего плана. И выясняется, что вся эта горячая дискуссия велась во время сидения на горшках в детском садике.
В телерекламе юные молодожены сидят на подоконнике перед только что вставленным металлопластиковым окном. Планы крупные и средние. «Хорошо у нас дома, уютно!» - нежно говорит счастливая жена. Общий план - в квартире дикий беспорядок и кавардак. Идет ремонт. Диктор подхватывает фразу девушки: «Окна нашей фирмы - это всегда уют в вашем доме!»
Случайная, непродуманная и небрежная смена крупности может порой привести к неожиданным результатам.
Телевизионный сюжет о проблемах жилья для милиционеров. Журналист рассказывает о том, как почти на год задерживается сдача дома для сотрудников МВД. Стоит толпа возбужденных работников милиции. Оправдывается перед ними какой-то взмыленный чиновник. Журналист за кадром говорит: «Работникам милиции придется выбирать: или поверить очередным обещаниям, или как-то самостоятельно решать свои квартирные вопросы» На этой достаточно безобидной фразе режиссер меняет крупность плана. И на весь экран крупно мы видим грозное дуло автомата, висящего на плече у милиционера. Причем шутить (или тем более угрожать кому-то!) авторы этого сюжета - как и сами милиционеры - совершенно не собирались. Так само получилось...
Историк кино и киновед Наум Клейман в своей работе «Формула финала» приводит наблюдения Элизабет Боннафон за тем, как строит финалы своих фильмов Франсуа Трюффо. Оказывается, большинство его фильмов завершаются медленным наездом камеры на лицо героя или героини:
«Этот медленный наезд словно сбрасывает вдруг завесу с лица, открывая его зрителю, обнажая с полным бесстыдством самое сокровенное страдание человека; он создает то единственное мгновение фильма, когда взгляд зрителя встречается со взглядом персонажа, и этот кадр, по-видимому, и представляет собой кинематографическую подпись Франсуа. Трюффо. В 1962 году Трюффо писал: «Когда взгляд актера встречается со взглядом зрителя, кино обретает субъективный характер. Если публика ищет отождествления, она автоматически станет отождествлять себя с тем лицом, чей взгляд чаще всего скрещивался с ее взглядом на протяжении всего фильма» («Кайе дю синема», № 138, декабрь 1962 г.).
В кинематографе Трюффо со взглядом зрителя всегда встречается взгляд, выражающий величайшее отчаяние. И если Трюффо вызывает процесс отождествления, то его объектом всегда оказывается страдающее лицо. Можно так же отметить... что лицо крупным планом, на котором останавливается наезд камеры, - это всегда лицо утраты, одиночества и любви, будто персонаж молит объектив о спасении, ищет невозможного общения с кем-то отсутствующим или упрекает зрителя, смотрящего на него»6
Мы уже говорили о том, как критично относится к использованию крупного плана Отар Иоселиани. Но то, что по душе одному художнику, вовсе не закон для другого. Ингмар Бергман широко пользуется в своих фильмах крупными планами. Причем делает это так, что его метод становится материалом для исследований не только практиков-режиссеров, но и философов. Об этом размышлял в своей книге «Кино» французский философ Жиль Делез. О бергмановских крупных планах писал в своем исследовании «Лицо, сцена, трансцеденция» Олег Аронсон: «У Бергмана есть крупный план, который появляется почти в каждом его фильме. Два лица, в невероятной близости друг к другу, заполняющие все пространство кадра. Эпизод с механическим совмещением лиц в «Персоне» (обнаженный прием) -частный случай этого навязчивого бергмановского крупного плана. Для зрительского восприятия такой план вполне естествен. Он не выбивается из структуры киноповествования... Есть даже обычное кинематографическое прочтение такого кадра - любовники. Подобный план возможен, когда снимается поцелуй. Именно такова композиция каждой из картин знаменитой серии Марка Шагала «Любовники». У Бергмана же это соединение обычно дано «через противоречие»: объединенные в кадре персонажи только что разыграли перед нами историю ненависти. Визуальное соединение не устраняет намеченную границу между ними, но в то же время дает кинематографическое выражение влечению друг к другу - «поцелуй». И это влечение (неназванное метафизическое желание, для которого нет возраста, пола, социального положения) оказывается не менее значимым, нежели заданное сюжетом, диалогами, репликами негативное отношение между этими персонажами. Ничем не объяснимое, непонятное, противоестественное желание -то, что невидимо ни с какого расстояния... Два лица - это и есть бергмановское лицо... Бергмановская камера приблизилась не к коже человека, фактуру которой открывает перед нами крупный план, но к тому лицу, которое находится за кожей... »7
Я надеюсь, эти примеры наглядно демонстрируют то, какое значение имеет выбор режиссером соответствующей крупности плана. Сколько возможностей таится в этом, казалось бы, нехитром действии!
Определяя крупность, режиссер должен учитывать особенности нашего восприятия.
Мы стремимся рассмотреть ближе то, что привлекло наше внимание. Именно крупным планом мы хотим увидеть экзотических мотыльков. Благодаря крупному плану мы можем рассмотреть, как над цветком зависает колибри. Без крупных планов мы не сможем любоваться произведениями живописи. Не увидим уникальные археологические находки.
Один из телевизионных кадров (крупный план) очень запомнился зрителям во время трансляции с чемпионата мира по футболу. Решающий матч. Буйствуют переполненные трибуны. Болельщики что-то неистово скандируют. Ежесекундно вскакивают на ноги. Взрываются петарды. Летят на поле факелы... И посреди всего этого вихря эмоций на трибуне невозмутимо сидит очаровательная девушка и внимательно читает какую-то толстую книгу.
Именно крупный план телекамеры показал всему миру дрожащие руки лидера ГКЧП Геннадия Янаева на пресс-конференции в августе 1991 года. И хотя этот кадр по крупности был скорее средним, но для всех зрителей он воспринимался как крупный. Все видели эти дрожащие руки. Как-то сразу стало ясно: весь этот ГКЧП ненадолго, так как дрожащими руками революцию не делают.
Ничто так не раскрывает характер человека, как крупный план.
В документальном фильме или телепрограмме это особенно заметно. Слова могут быть какими угодно, но характер проявляется и помимо слов. Иногда телекамера просто раздевает человека. Режиссер должен это учитывать и, если нужно, использовать. Вот почему так интересно наблюдать за людьми в документальных фильмах - именно наблюдать, а не слушать бесконечные монологи.
Телепрограмма «Что? Где? Когда?». В ней множество крупных планов. Симпатичные люди. Умные. Образованные. Тем не менее крупные планы раздевают некоторых участников помимо их воли, рассказывают немало об их характерах. Вот модный адвокат - барственный и самовлюбленный. Он не в силах скрыть удовольствия от самого факта пребывания на экране. Вот один из игроков - его наигранные бурные реакции (то неистовое отчаяние, то нервные прыжки в кресле, то фальшивые вспышки радости) показывают жадное стремление в любом случае быть в центре внимания. А вот - полная отдача игре, напряженные глаза, абсолютная сконцентрированность на поисках правильного ответа. Рядом - пустые глаза и выключен-ность из происходящего хорошенькой девушки-модели, явно лишней на этом празднике интеллектуалов. Она, откровенно скучая, терпеливо ждет той минуты, когда ей придется вручать награду победителю.
Экран видит все.
Лицо прохвоста-депутата, болтающего что-то о «духовности»...
Лицо спортивного комментатора, заискивающим тоном берущего интервью у высокого спортивного функционера-Лицо «независимого» политического аналитика, отрабатывающего деньги хозяина...
Когда-то немецкие документалисты Вальтер Шойман и Гюн-тер Хайновский сняли фильм «Смеющийся человек». Почти весь фильм на экране крупным планом был показан человек, который рассказывал о своих «геройских подвигах» фашиста и наемника. Конго-Мюллер - так звали этого мужчину - не только не прятал своих нацистских убеждений, а, наоборот, с восторгом рассказывал о них зрителям. Авторы (за кадром) не вступали с ним в спор. Они как могли подыгрывали герою, тем самым подталкивая его ко все новым воспоминаниям и умозаключениям, ко все большему саморазоблачению. Поражало даже не то, что он говорил, а КАК. С беззаботной ослепительной улыбкой на лице. Ничто не могло заменить здесь бесконечных крупных планов. В этом фильме состоялось полное и абсолютное саморазоблачение героя, без авторских моралите, без гневных дикторских выводов и резюме.
В 1966 году ленинградские документалисты Павел Коган и Петр Мостовой сняли фильм, который стал классикой документального кино, - «Взгляните на лицо». Фильм снимался в Эрмитаже возле картины Леонардо да Винчи «Мадонна Литта». Там была установлена скрытая камера, снимавшая посетителей музея. Большая часть фильма - это крупные планы людей разного пола и возраста. Это фильм о том, как происходит или не происходит встреча с искусством. Мы увидим и пустые глаза, и скучающие физиономии. А потом вдруг - лица увлеченные, вдохновенные. Мы увидим девочку, чрезвычайно похожую на Мадонну. И крупные планы Мадонны будут казаться разными - в зависимости от того, на кого именно она смотрит.
Режиссер Герц Франк пошел еще дальше в своем известном фильме «Старше на десять минут». На протяжении десяти минут на экране будет лишь крупный план маленького мальчика. Он сидит в кукольном театре и смотрит сказочный спектакль. Об этом мы догадываемся по репликам актеров за кадром и полумраку. Все время мы видим глаза малыша. На его лице - вся гамма чувств: радость и гнев, испуг. На наших глазах происходит знакомство маленького человека с большим миром. Этот философский фильм (без единого слова) весь был сделан на одном крупном плане ~ и этого оказалось достаточно, чтобы передать очень сложное содержание. Впрочем, к упомянутым фильмам мы еще вернемся во второй части книги для более детального разбора.
Французский режиссер и теоретик кино Жан Эпштейн, восторженно приветствуя появление в киноискусстве крупного плана, писал: «Я никогда не смогу выразить, до какой степени я люблю крупные планы американских фильмов... Неожиданно экран расстилает лицо, и драма, оставшись наедине со мной, обращается ко мне на ты и накаляется до неожиданного напряжения. Гипноз. Отныне трагедия стала анатомической. Декорация пятого акта - это та часть щеки, которая разрывается сухой улыбкой... Тени смещаются, дрожат, колеблются. Нечто решается. Ветер эмоций подчеркивает облачный рот. Карта лицевых хребтов качается. Сейсмические толчки. Капиллярные морщины ищут трещину в породе, чтобы взломать ее. Их уносит волна. Крещендо. Как конь, вздрагивает мускул. По губе, как по театральному занавесу, разлита дрожь...»8
Жан Эпштейн - режиссер, теоретик, поэт и математик -писал о том, что с появлением крупного плана исчезли все препятствия между зрителем и зрелищем. И мы уже не смотрим на жизнь, а проникаем в нее. Крупный план похож на увеличительное стекло, с помощью которого жизнь оголяется, как очищенный от кожуры гранат.
Однако именно эти свойства крупного плана вызывают целый ряд эстетических и этических проблем, о которых обязан помнить любой режиссер.
Особенно важно это в работе над документальным материалом. Не всегда человек, которого снимают, жаждет столь близкого, интимного общения с камерой. Не всегда человек, показанный таким образом, будет обаятелен и привлекателен. Задолго до возникновения кинематографа Джонатан Свифт описал в своих «Путешествиях Гулливера» те страшные ощущения, которые испытал Гулливер в стране великанов. Во много раз увеличенные физиономии, которые он видел «крупным планом», отторгали своим физиологизмом, нежная сценка кормления младенца была омерзительна из-за крупного плана груди исполинской кормилицы.
Об этом стоит вспоминать в те моменты, когда режиссеры и операторы позволяют себе непонятные и непродуманные наезды на очень крупные планы героев документальных фильмов или телепрограмм. Как часто мы видим во весь экран не очень здоровую кожу, железные зубы и перхоть в волосах. Конечно, все это можно снимать и очень крупно, если в этом есть какой-то смысл и определенный замысел. Но чаще всего это ничем не оправдано: просто захотелось «наехать» -ведь трансфокатор позволяет!..
Мало кто из нас хочет появиться на людях неумытым и неопрятным. Мало кто хочет, чтобы ему заглядывали в рот, если он только что вырвал два зуба. Нет женщины, которая перед съемкой или записью программы не посмотрелась бы в зеркальце. Режиссер должен любить своих героев (если это, конечно, не Конго-Мюллер), и нет ничего плохого, если люди в развлекательной, информационной или образовательной программе на крупных планах будут симпатичными, опрятными и привлекательными. А если есть проблемы, режиссеру стоит вспомнить: помимо крупных, существуют также средние и общие планы. Как говорила одна пожилая актриса оператору: «Снимайте меня как угодно, только чтобы я была молодой и красивой»
Однажды султан, хромой и одноглазый, вызвал к себе художника и приказал написать его портрет. С условием, чтобы султан на нем был очень похож на себя и был бы «так же красив, как в жизни»
Художник изобразил султана очень похожим - хромым и одноглазым. Султан тут же отрубил ему голову.
Вызвали другого художника. Тот, уже наученный горьким опытом предшественника, изобразил султана молодым, красивым и здоровым. Султан и ему отрубил голову - за обман.
Вызвали третьего художника. Он долго работал. Показал портрет султану. Тот был в восторге и щедро отблагодарил портретиста.
Султан был изображен на охоте. Он целился из ружья. Хромая нога стояла на камне, а один глаз был прищурен...
РАКУРС
На первый взгляд может показаться, что все, связанное с ракурсом, касается не столько режиссеров, сколько операторов. Ведь умение найти эффектный ракурс (то есть снять объект под определенным, иногда непривычным углом) - обязанность именно оператора. Операторское мастерство, вкус, фантазия во многом определяют изобразительное решение фильма. Но грань между работой режиссера и оператора очень тонка.
Снять кадр «как-то необычно» - это хорошо. Творческий поиск всегда в почете. Но еще лучше, если эти поиски приведут к каким-то находкам. Большое впечатление на зрителя произведет не просто какой-то странный кадр с выкрутасами, а кадр, в котором будет художественное содержание, подтекст, образное решение. Если же зрителям показывают всего лишь бессмысленные фокусы - это признак того, что с квалификацией авторов не все благополучно.
Существует множество способов снять каждый отдельный кадр.
Экстравагантное решение будет уместным и похвальным, если будет обусловлено режиссерским замыслом.
В аналитической программе, посвященной политике (например, во «Временах» с Владимиром Познером, «Первый канал», Россия), трудно представить себе, что камера вдруг начнет смотреть на ведущего откуда-то из-под стола или из-под потолка, показывая затылки и лысины собеседников.
В аналитических программах канала 1СТУ ракурсные планы появились тогда, когда изменился дизайн студии. Журналисты и гости ведут разговор, сидя за столом, имеющим форму звезды - логотипа телекомпании. Для того чтобы мы эту звездочку увидели, надо время от времени снимать собеседников с верхней точки.
Немного отвлекаясь, вспомним, что в свое время в Москве был построен огромный по размерам Центральный театр Советской Армии. Сверху гигантское здание имело форму пятиконечной звезды. Но увидеть это можно было только с самолета. Средневековые соборы строили на узких улочках не случайно. Чтобы рассмотреть постройку, нужно было задирать голову. И без того величественное сооружение становилось еще более мощным. И в плане соборы имели форму креста, невидимого снизу. Человек с земли этого не заметит? Зато Всевышний увидит...
Острые ракурсы абсолютно уместны и органичны, скажем, в такой телепрограмме, как «Что? Где? Когда?». Там используют очень подвижные и динамичные камеры. Они и над столом, и под столом, и рядом с игроками, и над ними. Это никого не Удивляет и не раздражает. Камеры здесь, будто «всевидящее око» ведущего, заглядывающее в самые укромные уголки. Кроме того, они своими активными перемещениями, острыми ракурсами превращают зрителей в активных участников событий. Если бы мы сидели в креслах игроков, то именно в таком нижнем ракурсе и видели бы письма зрителей с вопросами, пришпиленные к мониторам. Именно с таких нижних точек видели бы кольцо болельщиков, теснящихся вокруг игрового стола. А потом с верхнего ракурса мы видим, как, задрав головы, обращаются игроки к невидимому для них ведущему -неприступному и загадочному, как Волшебник Изумрудного города. Даже рекламный ролик программы снят в этой же стилистике. Нижняя точка, нижний ракурс - камера вылетает на манеж, будто лев, и свирепо «оглядывается» по сторонам. Мы понимаем это благодаря соответствующей фонограмме. И останавливается этот «лев» смирно и покорно лишь у ноги «великого и ужасного» ведущего - автора программы Владимира Ворошилова. Все эти ракурсные кадры обусловлены замыслом, а не тем, что кому-то просто захотелось побаловаться широкоугольным объективом и необычными точками съемки.
Один опытнейший оператор-документалист снимал в горах электростанцию. Снимал ее с нижних точек, широкоугольным объективом, чтобы маленькое здание имело как можно более солидный вид. И достиг своей цели. Электростанция на экране выглядела не менее грандиозно, чем окружающие горы. Во время просмотра законченного фильма оператор чуть не упал в обморок, когда услышал на этих кадрах дикторский текст: «Эта крошечная электростанция, затерявшаяся в горах....»
- Если бы я знал... если бы «он» мне сказал! Это же не так надо было снимать! - сокрушался оператор.
Можно не сомневаться, что «он» (режиссер) на съемках тоже не имел ни малейшего представления о том, в каком именно контексте будут стоять эти кадры.
Телерепортаж из парламента. Традиционный набор кадров: зал заседаний, голосования, интервью. И вдруг среди обычных, протокольных кадров - в остром ракурсе, снизу, с уровня пола мы видим огромные ботинки депутатов, прогуливавшихся в перерыве. Штанины, будто колонны собора, уносятся куда-то ввысь. Через секунду - самый заурядный по форме кадр: кто-то из руководителей фракции что-то рассказывает на среднем плане. Вопрос о том, что это был за кадр с ногами-колоннами (символ? образ? метафора?), авторов сюжета удивил и поставил в тупик. Они вообще ничего не имели в виду. Просто им надоело снимать каждый день одно и то же. И они решили чем-то блеснуть.
Настоящие художники быстро поняли, какие широкие возможности таит в себе такой, казалось бы, несложный технически прием, как ракурсная съемка.
Классик советской операторской школы профессор Анатолий Головня в своей работе «Оптическая композиция кадра» писал: «Операторское искусство ракурса и света ценилось высоко. Талантливые операторы умели находить экспрессивные киноизобразительные формы для каждого «монтажного» кадра. Операторы умели ракурсами съемки как бы «оживить» бронзовые памятники, архитектурные ансамбли, дымящиеся заводские трубы, развевающиеся знамена, дать самое сокровенное в человеке. Образ на экране приобрел необычайную силу выразительности, языку кино стали доступны метафора, сравнение, ритмика»9
Один из выдающихся режиссеров мирового кино Дзига Вертов в одном из своих творческих манифестов подчеркивал: «Я -киноглаз... Я - глаз механический. Я, машина, показываю вам мир таким, каким только я смогу его увидеть. Я освобождаю себя с сегодня навсегда от неподвижности человеческой, я в непрерывном движении, я приближаюсь и удаляюсь от предметов, я подлезаю под них, я влезаю на них, я двигаюсь рядом с мордой бегущей лошади, я врезаюсь на полном ходу в толпу, я бегу перед бегущими солдатами, я опрокидываюсь на спину, я поднимаюсь вместе с аэропланами, я падаю и взлетаю вместе с падающими и взлетающими телами »10
Ракурсная съемка помогает ориентироваться в пространстве. Если нужно снять сцену свидания, когда Джульетта стоит на балконе, а Ромео под ним, логично будет снимать их в соответствующих ракурсах.
Но есть более сложные случаи применения ракурсной съемки.
Если она вызвана не только простым желанием лучше показать объект съемки, но и стремлением выразить некую мысль или ощущение, наступает самое интересное.
Ракурсная съемка может придать изображению своеобразную психологическую окраску.
Известный оператор Сергей Медынский (продолжая мысль А. Головни) утверждает, что ракурс можно сравнить с эпитетом. Он удачно и выразительно подчеркивает определенные черты того, что мы снимаем. Ракурс из технического средства превращается в нечто большее. Он способен передать определенные идеи, эмоции, чувства. Например, можно сказать, что нижний ракурс адекватен эпитетам: торжественный, радостный, величественный. Ведь съемка объекта снизу вверх, когда объектив расположен ниже обычного уровня глаз, создает впечатление торжественности, триумфа, величия. Если мы так снимаем человека, он будто вырастает, поднимается к небу. В свою очередь верхний ракурс во многих случаях означает, что наш герой унижен, раздавлен, оскорблен, огорчен.
Поэтому торжественно снятая с нижней точки электростанция никогда не будет вызывать ощущение «маленькой и потерянной в горах», чтобы там ни говорил дикторский текст.
Французский киновед Марсель Мартен в уже упоминавшемся нами исследовании «Язык кино» приводит многочисленные примеры творческого использования ракурсных съемок старыми мастерами: «Съемка сверху вниз имеет тенденцию уменьшать человека, подавлять его морально, прибивая к земле, показывать как существо обреченное, игрушку злой судьбы. Мы находим яркий образец этого приема в «Тени сомнения»: в ту минуту, когда девушка убеждается, что ее дядя - убийца, камера внезапно трогается с места и начинает отъезжать назад, затем поднимается вверх и становится на такую съемочную точку, с которой ясно видно, какой ужас и бессилие охватывают девушку. Еще лучше пример из фильма «Рим - открытый город», так как он более естествен: эпизод смерти Марии снят с нормальной точки зрения, но сцена ее убийства немцами снята с верхнего этажа здания, и бегущая по улице женщина кажется маленьким, хрупким существом, попавшим в ловушку неумолимой судьбы... Так, в «Деньгах» Марсель Л'Эрбье поместил камеру в самом центре потолка в здании биржи и таким образом нашел довольно оригинальную точку зрения на кишащих внизу дельцов и биржевых маклеров; мы видим также вертикальный, но гораздо более выразительный кадр в «Процессе Парадайна», в сцене, где адвокат обвиняемой, уничтоженный признаниями своей подзащитной, объявляет себя неспособным вести ее дело и покидает зал суда при гробовом молчании; в фильме «Дом, в котором я живу» мы также находим очень смелую вертикальную съемку сверху вниз, которая психологически обозначает удивление: в ту минуту, когда один из персонажей узнает о смерти любимой девушки, камера отъезжает от него вверх, а он остается внизу, как бы раздавленный обрушившимся на него горем»п
Классический пример последовательного применения ракурсной съемки - фильм немецкого режиссера Фридриха Мурнау «Последний человек» (1924 г.). Величественную, самодовольную фигуру швейцара, главного героя фильма, режиссер снимает снизу вверх до того момента, когда наступает крах его блестящей карьеры. После этого бывший швейцар снят уже сверху вниз, что ярко подчеркивает падения героя.
Но в искусстве нет жестких правил. Съемка сверху вниз может вызвать не только ощущение трагизма, но и беззаботный смех. В американском фильме «Эдди» комедийная актриса Вупи Гол-дберг играет женщину, которая случайно становится тренером мужской баскетбольной команды. Кадр на тренировке, когда маленькая толстенькая женщина, окруженная огромными игроками, дает им указания, снят сверху. Героиня становится еще более смешной, а вся ситуация еще более глупой.
Не перечислить приключенческие фильмы и боевики, в которых мужественные фигуры героев сняты именно в нижнем ракурсе.
В бесконечных фильмах ужасов именно с нижней точки сняты фигуры самых страшных монстров.
Режиссеры будто откликнулись на призыв выдающегося французского режиссера Рене Клера не стесняться - и простым наклоном своего аппарата получать массу интересных эффектов.
Острые ракурсы значительно изменяют объект съемки. Это, в частности, хорошо понимали пропагандисты с кинокамерами во все времена.
С помощью выразительных ракурсов (но разумеется, не только благодаря этому) певец III Рейха, немецкая киноактриса и режиссер-документалист Лени Рифеншталь, создавала яркие пропагандистские картины о нацистской Германии. Воинские парады, торжественные церемонии, бесконечные шеренги солдат, движущиеся с нечеловеческой синхронностью, снятые в острых ракурсах, производили (да и сейчас производят!) сильное впечатление. Это - гимн огромным орнаментальным композициям, где вместо лиц - гигантская мозаика. Впрочем, о фильмах Лени Рифеншталь разговор у нас впереди.
Наибольшее внимание ракурсной съемке уделяли во времена расцвета немого кино. Вообще, принято считать, что именно тогда были открыты почти все выразительные средства экрана. Режиссерам было тяжело. Им приходилось без помощи звука, слова, цвета вести понятный, вразумительный и более того - захватывающий рассказ. Приходилось искать, придумывать и экспериментировать. Не всегда режиссерские новации единодушно принимались. Знаменитый датский режиссер Карл Дрейер в своем немом фильме «Страсти Жанны д'Арк» (1928 г.) старался именно с помощью крупных ракурсных планов передать напряженные диалоги между Жанной и ее судьями в Руане. Этот фильм знаменит своими крупными планами, снятыми во всевозможных острейших ракурсах, которые заменяли слова в напряженном поединке героев. Критики и историки искусства до сих пор спорят, насколько убедительным было это режиссерское решение.
Один из исследователей экранного искусства Рудольф Ар-нхейм в своей книге «Фильм», которая вышла в 1933 году, много внимания уделял именно ракурсу - как очень интересному и выразительному художественному приему. В частности, он писал о том, как умело найденный ракурс может заставить зрителя увидеть в материале нечто новое: «Так, например, если он увидит на экране обычный кадр гребцов в лодке, его восприятие, вероятно, ограничится пониманием того, что это - лодка с гребцами. Но если, например, камера была подвешена высоко над лодкой и зритель увидит ее сверху, он получит редкое для повседневной жизни впечатление и его интерес будет уже направлен не на содержание, а на форму. Зритель заметит, как поразительно очертания лодки напоминают веретено, как причудливо раскачиваются тела гребцов. То, что прежде ускользало от его внимания, теперь особенно поражает, ибо весь снятый объект в целом выглядит странно и необычно. Таким образом, зрителя вынуждают смотреть на знакомое как на нечто новое, и в это мгновение он становится по-настоящему наблюдательным »12
Марсель Пруст писал о том, что некоторые фотоснимки сельских или городских пейзажей люди называют «волшебными». Например, фото кафедрального собора, запечатленного не так, как его обычно видят люди, а снятого в соответствующем ракурсе так, что он кажется в тридцать раз выше, чем дома, которые его окружают.
Ракурс очень связан с точкой зрения. С тем, откуда мы наблюдаем за происходящим.
В театре место зрителя неизменно. Так же поначалу было и в кино. Мы уже вспоминали Жоржа Мельеса и его принцип показывать на экране события так, будто зритель все это видит, сидя в партере. Не случайно, что первые свои фильмы режиссер заканчивал закрытием театрального занавеса и выходом на поклон.
Но быстро выяснилось, что в кино точка зрения - вещь очень динамичная. Камера обрела свободу перемещения. И мы получили возможность рассматривать происходящее с самых разных сторон. Быстро выяснилось и то, что в кино может существовать так называемая «субъективная» точка зрения. То есть события могут быть показаны с точки зрения определенного персонажа - человека, животного или даже какого-нибудь предмета.
И вот здесь ракурсная съемка вновь решительно выходит на авансцену.
В начале фильма «8 х/2» режиссера Федерико Феллини главный герой Гвидо Ансельми воображает, будто он взлетел над землей. Мы видим (с точки зрения Гвидо) острый ракурсный план - его собственная нога парит в воздухе, а к ней привязана веревка, и некий человек внизу (потом мы узнаем, что это продюсер) старается подтянуть его к земле.
Бездомный Шарик из «Собачьего сердца», облитый кипятком, лежит на снегу и в отчаянии смотрит на прохожих. Нижняя ракурсная съемка передает его грустный взгляд на мир.
Несчастная Вероника из классического советского фильма «Летят журавли» (режиссер - Михаил Калатозов, оператор -Сергей Урусевский) в отчаянии бежит, готовая покончить экизнь самоубийством. С ее точки зрения, в острых ракурсах мчатся мимо нас, над нами и даже под нами ветки деревьев, Дома, земля, железнодорожный состав. В этом же фильме - знаменитая сцена: падает смертельно раненый в бою главный герой фильма Борис. И мы видим (с его точки зрения), как начинают бешено кружиться перед его глазами стволы деревьев... Правда, это вращение деревьев так всем понравилось, что со временем деревья стали кружиться во множестве фильмов.
В документальном фильме «Человек с киноаппаратом» Дзиги Вертова ткацкий цех был показан «с точки зрения» челнока ткацкого станка, который все время находится в движении.
В фильме «Короткие встречи» режиссера Киры Муратовой важная сцена, в которой главные герои выясняли отношения, снята в остром нижнем ракурсе, будто с точки зрения рака, которого герой варит в кастрюле. Этот ракурс придает эпизоду иронический подтекст.
В американском фильме «Привидение» камера после смерти героя взлетает вверх. И «с точки зрения» души, видит свое собственное бездыханное тело и суетящихся внизу врачей.
В фильме «Иваново детство» режиссера Андрея Тарковского есть такой кадр: Ивану снится сон, будто он сидит на дне колодца, чтобы увидеть звезду. Он смотрит на небо. И вдруг бадья срывается и летит вниз, прямо на Ивана. Летит она медленно, все увеличиваясь в размере. Это очень страшно, мальчик вскрикивает и просыпается.
Субъективная камера, субъективная точка зрения дают очень интересный эффект.
Но их использование требует оправдания. Это должно быть тщательно мотивировано. Тем более что субъективная точка зрения мгновенно изменяет акценты в происходящем на экране. Если мы вдруг увидим ракурсный план комнаты, снятый с точки зрения человека, лежащего, скажем, под столом, для нас самым важным и интригующим тотчас станет уже ТОТ загадочный человек, глазами которого мы увидели эту комнату. Кто это и почему смотрит на комнату из-под стола? Внимание зрителей мгновенно переключается с ОБЪЕКТА на СУБЪЕКТ. Что это с ним происходит?
Стивен Спилберг в «Челюстях» доводил до сердечных припадков зрителей длинными планами пловцов, которых мы видели из-под воды, с точки зрения ненасытной акулы. Мы то приближались к ним, то чуть отставали, готовясь к кровавой атаке. Зрители поначалу еще не знали, чьими глазами мы смотрим на беззащитные фигурки, беззаботно плещущиеся в волнах, но чувствовали приближение беды.
Сергей Эйзенштейн подробно (правда, весьма скептически) анализировал многие попытки поставить объектив камеры на место героя фильма: «Так, например, сделано в фильме о «Докторе Джекиле и мистере Хайде», в начале которого камера двигается и действует «от имени» главного лицедея - Фредерика Марча, - чье лицо мы впервые видим в тот момент, когда камера останавливается перед... зеркалом... Так сделан фильм «Ьасгу т 1пе Ьаке». В этой детективной картине подобный принцип уже доведен до предела.
Один из американских журналов (январь, 1947 год) описывает этот фильм под заголовком: «Камера становится героем в уголовном фильме с Робертом Монтгомери»
Обозначение это, конечно, не совсем верно.
Точнее сказать: герой становится... камерой, и через камеру зритель слит с героем.
«Вместо того, чтобы следить за героем со стороны, аудитория видит все действие через его глаза (то есть через объектив камеры). Когда он садится, камера соответствующим образом приседает; когда он просит выпить - стакан протягивается прямо в объектив. Сам актер (Роберт Монтгомери) никогда не показывается, за исключением коротких мгновений, когда он выступает в качестве рассказчика, или протягивает из-за кадра руку, или - наконец - когда он мельком проходит мимо зеркала...
Крупный план злодея, ударяющего прямо в объектив кулаком, вооруженным медным кастетом, «заставляет аудиторию вскакивать с мест»/3
Эйзенштейн упоминает и об использовании субъективной камеры Альфредом Хичкоком: «Он заставляет саму аудиторию как бы... застрелиться!
В финале фильма «8ре11ЪоипсЬ> пистолет д-ра Мерчисона с первого плана угрожающе направлен на Констанцию, которую играет Ингрид Бергман.
Она только что изобличила его как убийцу и обрисовала безвыходность его положения. Д-р Мерчисон угрожает ее пристрелить.
Но... (цитирую по сценарию):
«Медленно, непринужденно и отважно Констанция поворачивается спиной к пистолету в руках д-ра Мерчисона, подходит к двери, открывает ее и выходит... Дверь закрывается за ней.
Пистолет в руке Мерчисона неподвижно направлен на закрывшуюся дверь...
Потом медленно, медленно рука его начинает поворачиваться до тех пор, пока револьвер направляет свое дуло прямо в объектив камеры.
Через секунду раздумья палец Мерчисона нажимает на курок, и экран застилается вспышкой от выстрела револьвера»м
Стоит добавить, что в конце фильма Роберта Монтгомери молодая героиня томно и страстно движется на камеру и дарит объективу свой нежный поцелуй. От классиков перейдем к начинающим. Одна из учебных работ юной студентки-первокурсницы целиком была построена на субъективной камере. Утро. Открывается дверь подъезда, и мы (камера) выходим на улицу. Камера «бредет» по улице, разглядывая всякие интересные вещи: весенний ручеек, случайных прохожих, витрины магазинов. Судя по тому, что снято все это с небольшой высоты, можно предположить, что видим мы все глазами ребенка. Тем более что перед игрушками на детской площадке камера задерживается чуть дольше. Мы приближаемся к входу в школу. Покрутимся возле старшеклассников, не обращающих внимания на малыша, подойдем к входной двери, затем «передумаем» входить в школу и вновь побежим по весенней улице. Теперь объектом нашего внимания станет всевозможная живность: коты на балконах, воробьи в парке, голуби на памятнике, собака с намордником. Вдруг, увидев какую-то кошку, камера стремительно рванется за ней. В первую секунду покажется, что это ребенок решил порезвиться. Но камера разгоняется все быстрее и отчаянно бросается за кошкой под днище стоящего автомобиля, вылетает с другой стороны, ныряет под следующую машину, взлетает по стволу дерева, «перепрыгивает» на другую ветку... и упускает кошку из виду. И тут камера останавливается. Мы видим, наконец, настоящего героя этого маленького учебного этюда -запыхавшегося тощего кота с порванным ухом.
В каком-то смысле любой кадр, снятый оператором-документалистом, - субъективный. Это ведь его взгляд на мир, его точка зрения. Выбрав кадр, определив точку, ракурс, крупность, границы кадра, оператор уже ставит какие-то акценты, пусть и не всегда бросающиеся в глаза. Мы видели множество кадров, снятых во время Великой Отечественной войны. Предаваться утонченным рефлексиям и изысканному самовыражению операторам было некогда. Но в документальном филь-е «Фронтовой оператор», посвященном кинооператору Владимиру Сущинскому, есть удивительные кадры. Это, казалось бы, «неудачные» кадры, снятые самим Сущинским. На них случайно видна тень оператора. Это считалось браком. Кадры выбросили в корзину, и уцелели они просто чудом. Но в фильме об операторе они приобрели какую-то удивительную силу. Они придали будничным кадрам войны личную, субъективную окраску. Владимир Сущинский, замечательный оператор, невольно снял и свою собственную смерть. Во время боя в него попала пуля. Оператор упал, но камера не выключилась и продолжала снимать, уткнувшись в небо.
Очень интересный и сложный пример субъективной камеры приводит Михаил Ямпольский, анализируя фильм Алексея Германа «Мой друг Иван Лапшин»: «Пролог начинается длинным хаотичным движением камеры по квартире рассказчика. Вначале в кадре возникает старая фарфоровая статуэтка, затем камера сползает вниз по шкафу, нагруженному папками и бумагами, затем фиксирует старый радиоприемник и т.д. Прежде чем в фонограмме начинает звучать голос рассказчика, мы слышим его дыхание, слышим, как он откашливается. Таким образом, первое же движение камеры задается нам как субъективный план, мир предстает увиденным глазами автора повествования. Но неожиданно кадр прочерчивает быстрым Движением справа налево немолодой человек, которого мы не Успеваем рассмотреть. Одновременно закадровый голос вводит последующее повествование как авторскую исповедь: «Это мое объяснение... объяснение в любви к людям, рядом с которыми Прошло мое детство »...Камера между тем движется по квартире, останавливается на мальчике, сидящем на лестнице. И вновь закадровый комментарий: «Это мой внук - хороший мальчик» Это обозначение в кадре, как моего внука, окончательно привязывает взгляд камеры к взгляду рассказчика. Камера, однако, продолжает блуждать по дому, покуда мы обнаруживаем на террасе старого дома за столом того самого немолодого человека, который промелькнул в начале трэвеллинга (трэвеллинг - съемка с движения. - Прим. Р. Ш.). Тот смотрит снизу вверх прямо в камеру. Трэвеллинг прекращается статичным кадром. Казалось бы, бесцельные блуждания камеры пришли к цели своих хаотических поисков. Этот человек и есть повествователь, от его лица пойдет рассказ... Так в самом начале фильма происходит первоначальная идентификация рассказчика с автором, а затем их расслоение. Рассказывает один, показывает другой»'5
ПАНОРАМЫ
Трудно найти фильм или телепрограмму, в которых не было бы всевозможных панорам, проездов, наездов и отъездов. Камеры движутся на тележках и машинах, летают на вертолетах и кранах.
Панорама значительно расширяет угол зрения и позволяет увидеть в динамике то, для чего понадобилось бы снимать целую серию статичных планов. Панорамы значительно усиливают эффект присутствия.
Панорамы, как правило, делятся на три типа:
1. Обзорная панорама.
2. Панорама слежения.
3. Переброска камеры.
Обзорные панорамы применяют тогда, когда нужно осмотреть заинтересовавший авторов пейзаж, архитектурный ансамбль или какой-то предмет (примеров можно приводить множество).
Панорама слежения применяется тогда, когда камера следит за движущимися героями, предметами, животными и т.д. и т.п.
Мгновенная переброска камеры с одного плана на другой (часто изображение на такой сверхбыстрой панораме просто смазывается) применяется при динамичных съемках спортивных состязаний, военных действий, катастроф и пр.
Несколько самых простых советов.
Панорама (за исключением переброски) должна быть плавной, без рывков. Если нет возможности снять панораму именно так (у вас, например, старый разбитый и разболтанный штатив), лучше снимите несколько статичных кадров разной крупности.
Панорама должна начинаться со статики и статикой заканчиваться. Если вы снимете именно так, при монтаже у вас не будет никаких проблем - эта панорама смонтируется с любым изображением. Если у вас почему-то не будет начальной или финальной статики, то могут возникнуть большие проблемы. Возможно, даже придется пожертвовать этим кадром - незаконченная панорама ни с чем не смонтируется. Даже если вы снимаете панораму сопровождения и ваш герой все время движется, найдите статичную начальную точку, пока героя еще нет в кадре, включайте камеру, пусть ваша панорама начнется лишь в тот момент, когда герой войдет в кадр. Так же нужно и закончить панораму. Пусть камера остановится и герой выйдет из кадра. При необходимости статичные начало и финал вы отрежете и сможете смонтировать несколько панорам на движении. Но (на всякий случай) у вас будет и статика, которой вы сможете закончить любой кадр прохода или даже весь эпизод.
При обзорной панораме важно, чтобы финальная точка панорамы (то, куда мы спанорамировали) была интереснее начальной. Иначе возникнет вопрос: а зачем это мы с более интересного вдруг перевели взгляд на совсем неинтересное? В жизни так не бывает.
При панораме-переброске нам важно только начало и конец. Все, что в середине, значения не имеет. Это все равно рассмотреть будет невозможно. Резкая переброска с финиширующего велосипедиста на лицо рыдающего от счастья тренера придаст кадру динамику и взволнованность.
Динамическим панорамированием называют все виды съемки с движения. Для съемки динамических панорам все сказанное выше так же актуально.
Панорамы добавляют экранному рассказу немало красок.
Ни одно шоу невозможно представить сегодня без летающих камер.
Во французском документальном фильме «Птицы» миниатюрная камера парила рядом с птицами, запечатлев невероятные по красоте и уникальности моменты.
Художественную силу обычных и динамических панорам поняли давно, чуть ли не с первых шагов кинематографа. Именно тогда камера поднялась впервые на лифте Эйфелевой башни, стала снимать с крыши вагона поезда. Дэвид Гриффит для съемок гигантской декорации фильма «Нетерпимость» построил огромную движущуюся платформу.
В этой книге мы еще не раз будем говорить о том, как панорамы и движущаяся камера позволяют режиссерам сделать изображение интереснее.
Пока всего лишь несколько примеров, которые приводит Жиль Делез в своей книге «Кино»: «Возьмем, к примеру, знаменитый план из «Толпы» Кинга Видора, Митри (французский исследователь кино, профессор. - Прим. Р. Ш.) назвал его «одним из прекраснейших трэвеллингов во всем немом кино»: камера движется против толпы, затем устремляется к небоскребу, карабкается на двадцатый этаж, берет в кадр одно из окон, обнаруживает зал, полный конторских столов, проникает туда, продвигается по залу и добирается до стола, за которым сидит герой. Или возьмем не менее знаменитый план из «Последнего человека» Мурнау: камера находится на велосипеде и сначала попадает в лифт, спускается в нем, сквозь оконные стекла схватывает зал фешенебельного отеля, непрестанно разлагая и соединяя движения, -затем она «просачивается» сквозь вестибюль и в громадные автоматически открывающиеся двери - и все это в едином и совершенном движении»'6
Нужно заметить, что съемка всевозможных проездов в старом кино осложнялась еще и тем, что оператору приходилось постоянно (с равномерной скоростью) вращать ручку кинокамеры.
Замечательные примеры движущейся камеры можно найти во всех фильмах, снятых советским кинооператором Сергеем Урусевским. В документальном фильме «Я - Куба!» он в одном непрерывном кадре, например, выходил из окна многоэтажного дома наружу, спускался в специальной люльке на пару этажей ниже и входил в окно другой квартиры.
Французский исследователь кино Андре Базен считал одной из самых гениальных динамичных панорам в истории кино -кадр из фильма Жана Ренуара «Преступление господина Ланжа»: камера покидает персонажа в углу двора, поворачивается в противоположную сторону, обшаривает пустую зону декораций, а затем ожидает персонажа в другом конце двора, где герой готовится совершить преступление. «Разумность пути, избранного кинокамерой, вызывает еще большее восхищение, чем его смелость. Эффективность такого пути обусловлена, с одной стороны, непрерываемостью обзора от начала до конца сцены... с другой стороны, персонализацией камеры, которая, поворачиваясь вокруг своей оси, спиной к действующим лицам, выбирает таким образом наикратчайший путь. Лишь у Мурнау можно отыскать примеры подобного движения кинокамеры, совершенно свободно обращающейся и с персонажами, и с драматургическими построениями »17
Очень эффектно использовано движение камеры в росийском фильме «Прогулка» режиссера Алексея Учителя. Практически весь фильм камера находится в постоянном движении. Она сопровождает трех молодых героев - двух парней и девушку, случайно познакомившихся на улице. Один из начальных кадров фильма, в котором мы впервые видим девушку, гуляющую по Москве, затем замечаем парня, которому она понравилась, и следим за его попытками с ней познакомиться, длится несколько минут! Длинные, но чрезвычайно динамичные кадры проходов героев (в это время они ведут оживленные разговоры, ссорятся, мирятся, влюбляются и разочаровываются друг в друге) создают ощущение реально текущего времени. Редкие монтажные стыки почти незаметны. Единство действия придает происходящему какой-то неповторимый аромат и атмосферу. По ходу фильма камера лишь пару раз на мгновение оставит героев. Особенно эффектно (и даже с изыском!) это сделано в эпизоде с трамваем. Прошла уже почти половина фильма. И мы, поняв принцип, уже знаем, что камера будет неотступно следовать за героями до конца повествования. Но тут режиссер готовит зрителям неожиданность. Камера «входит» в трамвай, куда собираются войти и наши герои. Но вдруг они передумывают ехать и остаются на улице. Двери тем временем закрываются, и трамвай вместе с камерой трогается с места. Мы видим через заднее стекло вагона, как все уменьшаются три удаляющиеся от нас фигурки. Зрителей охватывает некоторое беспокойство: куда мы это от них уезжаем? Но в этот момент герои вдруг изменяют свое первоначальное решение и с криками бросаются вдогонку трамваю. Водитель притормаживает, открывает двери, и запыхавшиеся герои, к полному удовлетворению зрителей, вновь занимают место перед камерой.
АТМОСФЕРА КАДРА
У итальянского писателя Альберто Моравиа есть рассказ под названием «Ну как, тебе легче?».
В нем речь идет о брате и сестре, которые никак не могут понять друг друга. Сестра пытается рассказать брату о своей семейной драме (ее оставил любимый) и делает это очень эмоционально. В ее рассказе принимают участие и грозовые тучи, которые «аккомпанируют несчастью», и море, которое будто смеется над ней, и многие другие одушевленные фантазией женщины предметы и явления природы. Прагматичный брат, пытаясь ее успокоить, все время перебивает сестру. Он не столько сочувствует, сколько поправляет ее: тучи — это всего лишь физические явления, у моря нет никакого рта, и оно не может смеяться, и тому подобное. Но когда спустя несколько минут раздается звонок телефона и брат узнает, что его тоже оставила любимая, настроение у него резко меняется. И красный пластмассовый телефон кажется ему огромным кровавым пятном...
Все, что мы наблюдаем вокруг, имеет определенную эмоциональную окраску.
Ни одно событие не существует в эмоциональном вакууме.
Для влюбленного самый серый день ярок и прекрасен.
Для убитого горем солнечный свет меркнет в прямом смысле слова.
Без эмоциональной окраски все происходит только в плохом фильме.
Если фильм или телепрограмма нас не волнует и не трогает, проблема может заключаться именно в этом. Возможно, режиссеру просто не удалось создать захватывающую, эмоциональную атмосферу.
Чтобы добиться этого, нужно работать над каждым кадром.
Вот простейший пример.
На экране - больной ребенок, лежащий в кроватке. Мама заботливо склонилась над ним. Этот кадр произведет на зрителя нужное впечатление, если оператор сможет светом создать соответствующую тональность изображения. И действительно, приглушенные, мрачные тона, длинные тени, лежащие на стенах комнаты и на кроватке ребенка, вызовут ощущение серьезной опасности, нависшей над больным малышом. И наоборот, светлые тона, лучи солнца, льющиеся из окон и заполняющие кадр, создадут ощущение надежды на скорое выздоровление. Разная тональность придает одному и тому же изображению противоположный смысл.
Можно идти и «от обратного». Самые жуткие и страшные события французского фильма «Под ярким солнцем» происходят на фоне замечательных средиземноморских пейзажей. Контраст между чарующей природой и страшным преступлением, совершенным главным героем фильма, лежит в основе режиссерского замысла, который последовательно воплощается авторами.
Замечательную атмосферу мгновенно создает режиссер Клод Лелюш в одном из первых кадров фильма «Мужчина и женщина» . Мы знакомимся с главным героем. На среднем плане видим мужчину с сигарой в зубах и газетой в руках. Мужчина вальяжно садится в открытую машину и, не глядя на водителя, небрежно бросает: «Антуан, в клуб!..» Машина срывается с места. Но мужчина вдруг передумывает и приказывает ехать в казино. Через секунду мужчина требует развернуться и ехать в другую сторону (водителя мы не видим, он за кадром). Машина делает какой-то неудачный маневр, - водитель ведь сбит с толку! -и не успеваем мы возмутиться самодурству этого легкомысленного месье, как мужчина, молниеносно отшвырнув газету, помогает водителю вывернуть руль. Следует стремительный отъезд. И мы видим, что за рулем сидит маленький мальчик, которого отец учит водить машину. Крупность плана и авторская выдумка мгновенно создали лирическую, доверительную и чуть ироничную атмосферу, в которой живут герои - отец и сын.
Когда в том же фильме мы познакомимся с работой героя - автогонщика, кадры вновь будут максимально насыщены эмоци-ями. Мы увидим машину героя на трассе под дождем, в тумане, когда гонщик будет преодолевать круг за кругом на автодроме. Мы увидим машину героя и во время ночной гонки, когда фары будут ослеплять глаза, а кровавое солнце всходить над мокрой, смертельно опасной трассой.
А вот другой пример.
Советский фантастический фильм о девочке, которая наделена фантастическим даром. Она может на расстоянии передвигать вещи. Эпизод на натуре. Девочка одним взглядом заставляет тронуться с места автомобиль. Теоретически это интересная и эффектная сцена. Но она снята так, что абсолютно ничем не захватывает и не удивляет зрителя.
Из всех возможных решений на экране — самые невыразительные. Какая выбрана натура? Какой ракурс? Какая композиция кадров? Что за машина тронется с места под взглядом девочки? Какая погода на улице - солнце, дождь, ветер, метель? Какое звуковое решение? В каком состоянии сама эта девочка? На все вопросы ответы одинаковые: никакой, никакая, никакое...
Режиссер должен уметь создавать нужную атмосферу в каждом кадре не только игрового фильма. Это относится и к документальным очеркам, фильмам-портретам, документальным сериалам. Если нет атмосферы, фильм или телепрограмма не будут живыми. Станет невозможной эмоциональная связь со зрителем.
Французский телесериал посвящен тайнам египетских пирамид. Слово «тайна» даже вынесено в название. И ни одного намека на тайну в изображении, звуковом решении, монтажном строе фильмов. Кадры пирамид похожи на слайды. Все снято грамотно, четко - и невероятно скучно. Минимум эмоций и хоть какого-то авторского поиска. Вся драматургия лишь в дикторском тексте. И не раскаленной пустыней, а арктическим холодом веет с экрана. Невольно вспоминаются другие кадры, снятые в тех же местах киевским оператором Михаилом Лебедевым. Те же руины древних египетских сооружений, но сняты они совсем по-другому. Вечер. По развалинам проплывают длинные тени прохожих. Самих людей мы не видим, но по старинным стенам проплывают силуэты детей и взрослых, велосипедистов и тележек, запряженных осликами. Это производит какое-то фантастическое впечатление - будто переплелись времена. А в других кадрах на фоне древних руин вдруг начинают вспыхивать какие-то странные огни. Они мчатся среди развалин и придают всему загадочный вид. Правда, скоро выяснится, что это солнце отражается и вспыхивает бликами на лобовых стеклах автомобилей, мчащихся по трассе, проложенной рядом.
На канале «Дискасвери» можно увидеть немало документальных сериалов, посвященных Второй мировой войне. Уникальная хроника, высокое техническое качество изображения, авторитетные эксперты, интересные свидетели событий - все есть в этих фильмах. Но зачастую похожи они на какой-то протокол, холодный и бессердечный. Факты есть. А эмоций почти нет. Это определенный стиль западной теледокументалистики. Авторы делают упор на факты. Дают возможность зрителям самим делать выводы. Режиссеры сознательно не «прессингуют» зрителей, не выжимают слезы или праведный гнев. Они подчеркнуто неэмоциональны. И в этом есть своя режиссерская логика. Тем не менее такая стилистика не единственно возможная.
Коротенький фильм «Память» киевского режиссера Феликса Соболева был построен на одной-единственной фотографии неизвестного солдата Второй мировой войны. Когда фото впервые было опубликовано в книге маршала Жукова, множество людей узнали в этом солдате своего отца, мужа, сына, которые пропали без вести на фронте. В финале фильма эта фотография (когда камера отъезжала от нее) превращалась в сотни, тысячи точно таких же фотографий. Они были выстроены, будто солдаты на параде. И вдруг они трогались с места под звуки воинского марша, как армейские колонны. Этот кадр, имитирующий ракурсную съемку сверху, нес чрезвычайно мощный эмоциональный заряд. Мгновенно из области хроники, документов мы переносились в настоящее, волнующее искусство.
В одном американском документальном телефильме рассказывалось о том, как где-то на Аляске был найден бомбардировщик, который шестьдесят лет назад упал среди снегов Дальнего Севера. Группа энтузиастов отремонтировала самолет и собралась вновь поднять его в небо. Самые волнующие кадры - когда снова заработали двигатели. И замечательная деталь - на металлических кожухах двигателей стал понемногу оттаивать лед. И тонкие струйки, будто слезы, потекли по «мужественному лицу» бомбардировщика.
Есть много режиссерских и операторских средств, позволяющих создать нужную атмосферу, эмоционально увлечь зрителей - от тональности кадра до его длины, от композиции кадра до времени съемки и т.д.
В классическом американском фильме «12 рассерженных мужчин» на протяжении всего фильма присяжные стремятся выяснить, виновен ли молодой парень, которому грозит смертная казнь. Улики против него серьезные. Большинство присяжных спешат поскорее закончить дело, так как убеждены в вине подсудимого. Лишь один человек становится на его защиту. Драматизм ситуации режиссер подчеркивает и такой, казалось бы, второстепенной деталью: в городе стоит страшная жара. Вентиляторы гоняют горячий воздух и не помогают. Страшная духота в комнате заседаний. Ни газированная вода, ни открытые окна не помогают. Кажется, что уже просто физически невыносимо терпеть эту пытку в совещательной комнате. Герои в насквозь мокрых рубашках доведены до исступления. И лишь один упрямый правдоискатель не соглашается уступить. В конце концов, он добивается справедливости - парня единогласно оправдывают. К слову, эту физически ощутимую атмосферу создали вместе режиссер Сидней Люмет и оператор Борис Кауфман (младший брат Дзиги Вертова, снимавший в качестве оператора фильмы с режиссерами-классиками Жаном Виго, Абелем Гансом, Кингом Видором, а также с Винсентом Минелли, Эли Казаном и Отто Преминджером).
И опять противоположный пример. В начале фильма «Разорванный занавес» режиссер Альфред Хичкок создает ироничную и интригующую атмосферу. На круизном пароходе где-то в северных морях вышла из строя система отопления. Мы знакомимся с героями фильма, когда они в шубах, пальто и меховых шапках безуспешно пытаются выпить в баре свои коктейли, превратившиеся в лед.
Чрезвычайно длинные планы в документальных фильмах Александра Сокурова придают, казалось бы, простым кадрам мощную философскую окраску. Так, в одной из его картин мы долго наблюдаем за тем, как люди бредут по проспекту после праздничного салюта. Короткие планы едва ли привлекли бы наше внимание к происходящему. А длинные кадры позволили внимательно вглядеться в эту унылую картину. И чем больше мы всматриваемся в толпу прохожих, тем страшнее становится зрелище: это праздник без праздника, пасмурные лица, сгорбленные фигуры, милиция, подгоняющая людей...
Мужчина и женщина - герои уже упоминавшегося нами
I французского фильма «Мужчина и женщина» - знакомятся в машине во время ночного путешествия. Здесь завязываются отношения двух не слишком счастливых людей. Режиссер Клод Лелюш мастерски создает атмосферу этой поездки. Ночной дождь, ветер - а мы сквозь запотевшее стекло машины видим, как все теплее становится внутри машины, как постепенно тает лед в отношениях двух людей. Ироничную атмосферу своим фильмам о приключениях Шерлока Холмса режиссер Игорь Масленников задает с первого кадра - с титров. Если помните, из какого-то бессмысленного набора букв с помощью специальной «шифровальной» таблицы появляются слова-титры, расшифрованные великим детективом. Игру в «английский» детектив подчеркивают и первые музыкальные звуки. Режиссер попросил композитора написать «что-то похоже на позывные радио ВВС», и это отлично было выполнено - мы мгновенно переносимся в добрую старую Англию. Эмоциональное воздействие на зрителя должен оказывать каждый кадр.
Когда мы видим динамичного ведущего теленовостей в современной студии, а на заднем плане - журналистов, которые работают за компьютерами в ньюс-руме, это производит нужное впечатление. Мы эмоционально ощущаем осведомленность этих людей. Мы начинаем верить в то, что именно здесь владеют свежей, еще горячей информацией. Конечно, подобное впечатление может быть и ошибочным - но дело уже сделано. И наоборот - вялый ведущий в старомодном костюме, сидящий на фоне синей помятой тряпки, служащей фоном, невольно порождает У зрителей мысль о том, что мы с этим парнем будем последними, кто узнает о каких-то важных мировых новостях.
Атмосфера изысканной, элегантной игры присутствует в каждом кадре телепрограммы «Что? Где? Когда?». Одежда игроков, дизайн студии, свет, музыка, способ съемки, монтаж, темпоритм - все создает определенный настрой.
Дискуссионный клуб «Последняя баррикада» (собиравшийся когда-то на канале «1+1») - интеллектуальная программа. Главное в ней - острая, парадоксальная мысль. Для атмосферы, способствующей абстрактным размышлениям и сложным умопостроениям, вполне подходила черная студия, в которой не было ничего лишнего. Иногда мы видели героев, отражающихся в полированной поверхности стола. Их изображение вверх ногами тоже не вызывало удивления: здесь многие мысли ставили с ног на голову и не любили банальностей.
Атмосфера азартного вызова и даже провокации в телевизионной программе «Гордон» (НТВ) начиналась с первого кадра. Красный фон, на котором происходило все действо, раздражал и по всем правилам психологии, дизайна и вообще здравого смысла не должен был иметь место в приличной телепрограмме. Чуть позже мы замечали и нестандартный, мягко говоря, монтаж, нарушающий все писаные и неписаные законы. Затылок ведущего фигурировал в кадре гораздо чаще лица. Смотрели участники передачи в спины друг другу, так как камеры были расположены «неправильно». Их расставили вопреки законам. Но все эти странности ~ мелочь по сравнению с заумными дискуссиями, лежащими в основе передачи. Такое на телевидении встретишь не часто. И выяснялось, что все эти визуальные странности были абсолютно логичной и продуманной подготовкой зрителей к тому, что сейчас будет все «против правил».
Атмосфере каждого кадра уделял огромное внимание Андрей Тарковский. Он предостерегал студентов от наивной надежды на то, что посредственные кадры могут быть спасены интересным монтажом. Он утверждал: мастерство режиссера можно оценить, увидев лишь один кадр. Все сразу будет ясно - есть ли там жизнь, напряжение, ритм, эмоции. Если кадры холодные, пустые, невыразительные, режиссера не спасет ни монтаж, ни музыка, ни дикторский текст.
«Кабинет доктора Калигари» и другие знаменитые фильмы немецкого экспрессионизма с первых кадров захватывали зри-телей своей необычной, загадочной и мистической атмосферой. Пусть критики говорили, что эти фильмы сделаны «из бумаги и картона», что главными их творцами были не режиссеры, а талантливые художники и декораторы - обо всем этом можно спорить. Бесспорно иное: загадочные декорации, не похожие ни на театр, ни на реальную жизнь, игра со светом и прочие режиссерские приемы создавали напряженную, взвинченную и нервную атмосферу. И ее режиссеры выдерживали в КАЖДОМ КАДРЕ. Французский режиссер и теоретик киноискусства Жан Эпш-тейн, которого мы уже цитировали, утверждал: успех экранного произведения зависит не только от драматического действия или анекдота, лежащего в его основе. Сила экрана состоит в другом: настоящая драма может прятаться в шторе на окне, может быть растворена в стакане с водой. Комната может быть насыщена драмой в разных ее стадиях. Сигара дымит угрозой на горле пепельницы. Пыль измены. Пейзаж должен быть не таким, как его обычно демонстрируют в документальных фильмах о красотах Бретани или Японии. Пейзаж на экране должен передавать состояние души, потому что он и есть состояние души.
ОДИН КАДР - ОДИН ФИЛЬМ
Первые фильмы, как известно, состояли всего из одного кадра («Прибытие поезда», например).
Несколько лет назад провели любопытный эксперимент. Многим известным режиссерам дали камеру братьев Люмьер и предложили снять фильм одним кадром - так, как это делали великие предшественники. В результате было снято немало интересных и оригинальных миниатюр, документальных и игровых. В очередной раз подтвердилось, что один-единственный кадр может вместить в себя очень много.
Работа над фильмом, состоящим из одного кадра (а этим время от времени занимаются как студенты, так и профессионалы), - дело сложное и непривычное. От режиссера требуется все его мастерство и выдумка. Ведь он очень ограничен в выборе средств. Прежде всего исключается монтаж. Нельзя рассчитывать и на то, что следующий кадр или эпизод усилит предыдущий. Выкладываться нужно немедленно и полностью. Есть замечательные примеры режиссеров, для которых не было незначительных, проходных кадров. Андрей Тарковский считал таким человеком Робера Брессона. Тарковский говорил студентам, что, по его мнению, Брессон - второй режиссер, который снимает так много дублей. Чаплин снимал по сорок дублей, и Брессон тоже. Его не удовлетворяла какая-то мелочь в интонации актера или микроскопическая неточность движения камеры - и он переснимал, пока не возникало нечто абсолютно соответствующее его замыслу. Вообще, у Брессона все построено на миллиметрах, на сантиметрах, на миллиграммах. Он - будто аптекарь, для весов которого имеет значение вес каждой пылинки.
Как-то выдающийся итальянский кинодраматург и писатель Тонино Гуэра, автор сценариев фильмов Феллини, Антониони, Тарковского, рассказывал петербургским студентам о своих последних замыслах. Среди них был и такой: из тюрьмы домой возвращается только что освобожденный после многолетнего заключения человек. И что он сделал прежде всего? Выпустил на волю птичку из клетки.
Экранизация этой миниатюры вполне могла бы состоять из одного кадра.
Мы уже упоминали о художественном фильме Александра Сокурова «Русский ковчег», где в один кадр режиссер вместил события нескольких веков.
Из одного кадра состоит один из видеоклипов певца Валерия Меладзе, построенный на сложном проходе по какому-то музыкальному клубу. Нечто подобное Григорий Александров демонстрировал семьдесят лет назад в знаменитых «Веселых ребятах» . Там Леонид Утесов во время длинного и сложного прохода, отснятого одним кадром, поет знаменитую песню «Легко на сердце от песни веселой...».
Фильмы, состоящие из одного кадра, не требуют монтажа. Тем не менее монтаж здесь тоже существует. Особый, так называемый внутрикадровый монтаж.
На внутрикадровом монтаже остановимся чуть детальнее. Это не обычный монтаж. Мы ничего не режем и не делаем склеек. Мы монтируем прямо во время съемки, изменяя расстояние от камеры до персонажей, меняя композицию кадра, двигаясь вместе с актерами или нашими документальными героями, не выключая камеру. Кадр остается одним и тем же, а крупность планов меняется.
...Во весь экран - реторта с кипящей жидкостью. Над ней хитросплетения стеклянных трубок, змеевиков.
Чьи-то руки снимают реторту с огня, переносят на подставку.
Но вот мы, начиная постепенно отъезжать назад, и видим уже лицо старого алхимика, а потом и всю его сгорбленную фигуру.
Таинственная лаборатория раскрывается перед нами все шире и шире. Мы уже видим всю обстановку этой средневековой кельи с низкими сводами. Мы продолжаем отъезжать, и вдруг... в кадр попадают современные осветительные приборы, которыми пользуются при киносъемках, а потом и сама съемочная группа, режиссер с оператором у кинокамеры... Оказывается, это киносъемка. Из глубины «лаборатории» прямо к камере бодрым шагом подходит «старец-алхимик»...
Возможно, таким кадром мог бы начинаться фильм о буднях киностудии. Но нас в данном случае интересует другое: все, что мы только что видели на экране, снято ОДНИМ КАДРОМ. Благодаря движению камеры (отъезд) «монтаж» разных планов состоялся непосредственно во время съемки, а не путем склейки отдельных кадров.
Так мы осуществили монтаж внутри одного динамического кадра, то есть внутрикадровый монтаж.
А разве нельзя было то же самое снять отдельными статичными кадрами, а потом склеить в одну монтажную фразу?
Конечно, можно. Но при съемке этого кадра подвижной камерой к средствам эмоционального воздействия прибавляются еще, по крайней мере, три компонента. Первый - темп движения съемочной камеры. В данном случае медленный отъезд подчеркивал неторопливость, даже своеобразную торжественность обстановки средневековой лаборатории-кельи. Второй -динамический кадр усиливает у зрителя «эффект присутствия», ощущение себя участником происходящего на экране, а значит, тем сильнее будет третий компонент - неожиданность превращения лаборатории алхимика в современный кинопавильон.
Однако из сказанного не следует делать вывод, что во всех случаях движение камеры обязательно усилит эмоциональность изображения.
Интуиция и опыт подскажут вам, когда целесообразнее строить монтажную фразу из отдельных планов, а когда лучше объ- единить действие в один кусок и снять его, используя внутри-кадровый монтаж.
И конечно, главным критерием при отборе того или иного варианта должна быть та задача, которую режиссер ставит перед собой в этом кадре, сцене, эпизоде.
Внутрикадровый монтаж осуществляется не только с помощью подвижной камеры, но и специально распланированными передвижениями актеров или действующих лиц в съемочном пространстве, то есть соответствующей МИЗАНСЦЕНОЙ.
В фильме «Собачье сердце» Владимира Бортко есть сцена, в которой профессор Преображенский и приват-доцент Бормен-таль впервые читают двум пришедшим к ним ученым материалы своего невероятного эксперимента. В кадре слева стоит Бор-менталь и читает документ. Справа - профессор Преображенский. Он так взволнован, что стоять на месте не может и нервно ходит вперед-назад. Декорация выполнена таким образом, что в глубину кадра уходит анфилада комнат. И профессор постоянно перемещается с переднего плана на самый общий, уходя в глубь помещения и тут же возвращаясь.
Грузинский режиссер Отар Иоселиани, много лет живущий и работающий во Франции, как-то привел пример десятиминутного фильма Паскаля Обье «Спящий»: «Как известно, монтаж бывает не только покадровый, поэпизодный, но и внутрикадровый. Например, десятиминутный фильм Паскаля Обье «Спящий» целиком снят по принципу такого монтажа. Ничего другого, кроме того, что на лесной полянке под деревом лежит человек, в фильме нет. Но сначала мы видим эту поляну с высоты птичьего полета. Умиротворенный покой природы и человека в ней. Потом камера медленно-медленно начинает приближаться к спящему, и в последний момент, в финальных кадрах, мы вдруг понимаем, что этот человек мертв. Вот типичный пример, когда все действие фильма раскручивается при помощи внутрикадрового монтажа. Но, к сожалению, чаще бывает наоборот, даже эпизоды, снятые по принципу покадрового монтажа, например: пейзаж, дождик, девочка - не объединяются в какую-то языковую фразу и тем самым не имеют смысла »18
Первая работа одного из студентов-первокурсников ВГИКа тоже была построена на одном кадре. Сначала мы видим крупный план врача. Он с помощью стетоскопа внимательно выслушивает больного. Правда, самого больного мы пока что не видим. На крупном плане - внимательные, чрезвычайно сосредоточенные глаза врача. Начинается медленный отъезд, в кадре уже почти вся фигура врача. Он почему-то в белых перчатках. А еще через секунду выясняется, что он прослушивает не больного, а гигантский стальной сейф. Это грабитель, который подбирает шифр, пытаясь взломать замок, и одновременно вслушивается в работу механизма.
Много первых самостоятельных работ, сделанных студентами Киевского института кино и телевидения, тоже построены на одном кадре. Кстати, некоторые из них получили призы национальных и международных кинофестивалей.
Фильм «Фокусник». Перед детьми в школе выступает фокусник. Он показывает разные фокусы, дети радостно смеются, аплодируют. Мы за всем этим наблюдаем из-за спины фокусника и прекрасно видим все его манипуляции, с помощью которых он обманывает детей. Но постепенно фонограмма кадра изменяется - в звучавший ранее детский смех и реплики фокусника вплетаются совсем другие голоса: искушающие монологи телереклам, обещания депутатов, победные отчеты членов правительства. А дети на экране все аплодируют и умоляют фокусника, чтобы он не заканчивал свое выступление.
Фильм «На крыльях любви». Нижняя точка. Весь фильм снят одним крупным планом. В кадре на весь экран - мужские ботинки. Затем появляются женские сапожки. Они встречаются. Женские сапожки поднимаются на носки (мы понимаем - герои целуются), потом одна женская нога отрывается от земли, через миг - другая (мы понимаем, что парень поднял девушку). Обе женские ножки исчезают над рамкой кадра. Но через секунду и обе мужские ноги отрываются от земли и исчезают вверху, над рамкой кадра.
Фильм «Встреча». Камера расположена на улице. В кафе, за стеклом, сидит девушка, пьет кофе, смотрит в окно. Замечает симпатичного парня, который идет по улице. Он встречается с ней взглядом. Останавливается. Смотрит на нее. В руках парень держит футляр для скрипки. Парень заходит в кафе, подходит к девушке, просит разрешения сесть рядом (слов не слышно, так как все это происходит за стеклом, звучит музыка
Чарли Чаплина из фильма «Огни большого города»). Парень осторожно кладет футляр со скрипкой на стол. Начинает что-то рассказывать девушке. Она восторженно слушает. Вдруг он открывает футляр и принимается вытаскивать оттуда какие-то духи, дезодоранты, посуду, электроприборы - все, что носит с собой современный коммивояжер. Он явно предлагает девушке, чтобы она что-то купила. Пораженная и разочарованная героиня отворачивается от него. Парень по-деловому складывает все свои товары обратно в футляр и невозмутимо удаляется.
Фильм «Моя Родина». Семья сидит возле стола и собирается обедать. Хозяйка вносит кастрюлю. Начинает разливать суп по тарелкам. Каждый берет свою тарелку. Камера приближается ближе, и мы понимаем, что все тарелки пустые. Тем не менее люди едят воображаемую пищу, наливают в рюмки и пьют воображаемую водку, передают друг другу невидимую соль. Потом так же едят отсутствующее мясо и картошку. Делают они все это по-деловому, сосредоточенно и очень достоверно. Когда обед заканчивается, они включают телевизор и начинают внимательно смотреть на экран телевизора. А на экране тоже ничего нет. Только какие-то серые пятна...
Весь уникальный по своему методу съемки и размаху фильм Александра Сокурова «Русский ковчег» снят одним кадром. Здесь применена субъективная камера, использована субъективная точка зрения. Фильм содержит в себе бесчисленное количество проходов камеры, наездов, отъездов и панорам.
Мы вместе с героем фильма маркизом де Кюстином путешествуем залами Эрмитажа. Время от времени невидимый автор-режиссер (он постоянно за кадром, и это «его» глазами мы смотрим на все происходящее) ведет разговор с маркизом, который бродит по залам, попадая в разные эпохи российской истории. Временами камера теряет из виду маркиза. Иногда «находит» его вновь в каком-то уже другом зале. И режиссер за кадром радостно приветствует найденного приятеля. Порой режиссер предупреждает своего друга о рискованности его чересчур смелых реплик и замечаний: герои русской истории, присутствующие в кадре, могут обидеться. Звук здесь тоже субъективный: окружающие нас персонажи абсолютно «не слышат» реплик, которыми постоянно обмениваются автор фильма и маркиз де Кюстин.